martes, 31 de marzo de 2020

NARCISO DESDE EL VACÌO

Narciso, Caravaggio 
 Narciso al contemplarse en el agua, esperaba encontrar su belleza y se horrorizó ante su soledad. El vacío, la inesperada prueba de detenernos ante algo invisible y amenazante, nos enfrenta ante nuestro propio ser, en ese impasse, en ese espacio, estamos con lo que somos y eso, como a Narciso nos puede paralizar.
La Medusa huía de contemplarse a sí misma, sabía que tenía el castigo de su rostro, castigo que compartimos todos, por eso somos diferentes, para saber quiénes no somos. La renegada de los dioses fue derrotada por la imposición de mirarse, y ¿por qué deberíamos hacerlo? ¿Por qué no desparecer sin saber quiénes somos? Observar a la realidad es una forma de conocernos, ir a su encuentro y dedicarle el tiempo de percibir el espacio limitado en el que habitamos, en ese momento surge el arte.
La respuesta que damos al mundo es la creación, la invención de lo que no existe y que puede surgir en el instante en que sabemos lo que sí existe, y no tiene que ser el todo, basta con un mínimo fragmento. Mirar detenidamente lo que hay en nuestra mesa, y recrearlo en la mente, describir sus detalles, y con esa infinita información crear algo, una línea de una historia, de un poema, un dibujo, un acorde, y ese sencillo elemento nos demostrará que el arte es más que la realidad. 
Medusa, Rubens 

En ese estado de observación la soledad es el cómplice que nos espera, paciente, a que amemos su terrible presencia. Narciso se hundió en ella, se ahogó en su silencio, se abalanzó a su vacío, y en ese espacio sintió que su voz sin réplica, su llanto sin consuelo, serían arte. Medusa está a nuestro lado, sabe que estamos confinados,  y nos ofrece la madeja de sus serpientes, en la mordida de cada una está el veneno de la creación, con una gota, observando, el silencio de la calle, la casa, de los días que inician uno tras otro sin pausa y sin diferencia, y con esa sustancia en la sangre podemos crear, describir ese espacio y el resultado será verdad, será una aventura y será la luz mínima del arte.
La invención del arte viene de lo creado, que una vez arrancado de la realidad es otra cosa, hurta los recuerdos, reinventa las memorias, altera las historias, y vuelve a comenzar, como Dido, ponemos en una pira enrome toda nuestra vida y la incendiamos para que de esas cenizas surja un instante que de sentido al presente.
En la incesante exigencia del ser social, deja de existir el ser creador, para ese no hay tiempo, porque exige un espacio privado, íntimo, de libertad, lejos de la aprobación y autoexplotación, el ser creador se oculta, enmudece y se pierde, hasta que muere sin haber salido a la luz. Es momento de que exista, de que regrese a observar, a inventar, a hacer algo inútil, indispensable y eterno. Es la oportunidad extraordinaria, malvada, alevosa para la creación, sin testigos, como Narciso, con la sola respuesta de nuestra propia voz.

viernes, 20 de marzo de 2020

MUSEOROZCO

Contenedores para la creación del acervo del Museorozco, se aplica tambien para los artistas VIP de su generación 
¿Cómo que Gabriel Orozco no está cobrando por “trabajar” en el Orozco Park? Le van construir un museo, salió más caro que si le hubieran pagado los honorarios a su limitadísima creatividad
El “Museorozco”, se va  a llamar Pabellón Contemporáneo y dice Orozco, que es para su obra y la de los “artistas de su generación” porque el público reclama su presencia. En este país que no hay un museo dedicado a la obra de Diego Rivera, que el museo de Siqueiros, que además él donó, se lo han entregado a curadores nefastos que han organizado ahí orgias, la 4T le va a construir un museo a un artista sin obra.

El artista VIP dice, con gran congruencia, que el museo “no tendrá colección” que serán salas de exhibición, decisión acertada, la basura que dejan los paseantes diariamente en el parque, se incorporará como acervo. La otra opción es que FEMSA done un Oxxo y lo surta de obras todos los días.
Las obras de los artistas de su generación, como Cruzvillegas y Gabriel Kuri, luminarias de la mendacidad, se sumarán gracias a la participación colectiva de turistas-artistas emergentes que visitan Chapultepec y que donan sus obras en los contenedores de basura o contenedores de arte. La 4T ha “transformado” el arte en un gigantesco y costoso centro de reciclaje.
Los museos de artistas los donaron los propios artistas, el Museo Tamayo fue creado con la valiosa colección del maestro Rufino; el museo de Frida Kahlo es en su casa, con sus piezas y objetos, y el Museorozco lo pagamos con nuestros impuestos para albergar nada, porque ni él, ni los “artistas de su generación” tienen obra, por eso no hay acervo, porque no hay nada que meter ahí.
Enlistemos las futuras donaciones de estos artistas para el Pabellón: huaraches, macetas, tickets del supermercado, facturas y papelitos pintados de colores, esferas de navidad, palomitas de maíz, pasteles, fotocopias de billetes, y por supuesto cajas de cartón de distintos tamaños.
La construcción de este parque y el Museorozco implicó la pauperización del resto de los museos del país, se les retiró el presupuesto y los dejaron sin posibilidades de realizar exposiciones, tuvieron que despedir a más de la mitad del personal.
El despilfarro disfrazado de austeridad erige un palacio a la pobreza de creatividad, nos deberían explicar qué hay en estos artistas VIP que merezca un gesto tan ostentoso y prepotente, que no ha merecido el rescate del Polifórum Cultural Siqueiros. Si ya fue una arbitrariedad asignar este proyecto a un artista que jamás ha realizado algo en gran formato, o que ha creado una sola obra, que su masterpiece es una caja de zapatos, construirle un museo es un alarde de propaganda a la falta de talento, es la validación de un tipo de obras que representan la decadencia del consumo capitalista, objetos sin valor estético, sin inteligencia, vulgares readymade, expuestos en un espacio que por lo manos va a costar 100 millones de pesos.
La 4T le hace justicia a la mediocridad, le levanta un monumento, y recicla sus “talentos”, es una epifanía, la “trasformación” de la nimiedad en consagración. En esas salas quedarán exhibidas, la vanidad, la demagogia y la banalidad, cada una tendrá su pedestal y su curador. 

martes, 17 de marzo de 2020

LA PESTE DE LA IGNORANCIA

Corona cambia de Piel, xilografía de Eko su sitio aquì 

Los tiranos, los fanáticos religiosos, los demagogos y los imbéciles se sienten infalibles, los embriaga el pensamiento mágico y ególatra, que los coloca por encima de la realidad. Invulnerables a las enfermedades, las guerras, a las pruebas que la existencia nos impone, ellos afirman que sus credos y sus ideologías son en sí mismas medicina, aura bendita y protección metafísica.
El Rey Sol salía a pasear por las calles de Paris el día de su cumpleaños, desde las ventanas de su carruaje saludaba al pueblo, a los mendigos y enfermos, que se amontonaban a su paso, creían que el elegido de Dios para gobernar Francia los podría sanar con sólo mirarlos. Nunca sucedió el milagro, y cuando Luis XIV enfermó de gangrena, posiblemente causada por un ataque de gota en la pierna izquierda, la necrosis invadió la pierna, los médicos impotentes veían que la majestad inviolable se pudría ante sus súbditos, que ese semi dios era mortal como ellos.
Le aconsejaron amputar la pierna, y el Rey Sol en su arrogancia se negó, no podían mutilar a un ser divino, la ciencia nada puede en contra de la vanidad y la ignorancia. Francia rezó para que el Rey sanara, las misas de las catedrales estaban dedicadas a su  sagrado cuerpo. Luis pensaba que el amor de su pueblo, que esas voces cantando en las iglesias lo curarían. Multitudes se apostaron a las puertas de Versalles, rezando, el guerrero, el mecenas de las artes, el hermoso amado les demostraría que era inmortal.  El Rey Sol murió infectado, con fiebres, pestilente, como todos los seres humanos, como todos los reyes. Felipe IV de España les mostraba sus llagas a sus hijos, la fe del paladín del catolicismo no pudo regalarle la inmortalidad.
La ciencia nos ha demostrado que la ignorancia y el fanatismo matan más que las enfermedades, que las limitaciones del conocimiento son reales, y que el poder ilimitado de la fe es falso, la tragedia es que los seres humanos abrazamos la infabilidad porque habitamos en la delirante creencia de que somos  privilegiados. Los reyes y los tiranos, los imbéciles, afortunadamente son mortales como nosotros, escuchar a la ciencia y al sentido común, la prevención y la precaución no son demostraciones de pesimismo, son demostraciones de inteligencia. El optimismo patológico está incubado por la egolatría, “pensar positivamente” no nos va a salvar del contagio.
La cuarentena por el covid 19 es la oportunidad de reflexionar, aceptar que ser vulnerables nos hace humanos, humildes y consientes de recobrar nuestro instinto de conservación, somos animales, tenemos cuerpos.  La irresponsabilidad y la temeridad de desobedecer las recomendaciones de los científicos nos van a lanzar a una pandemia y de eso ni el optimismo, ni la fe, ni las ideologías nos van a salvar.
El Rey Sol nunca pudo sanar a uno solo de sus súbditos, al contrario, con sus guerras y sus malas decisiones políticas creó una crisis económica terrible y se propagó la tifoidea. Infectados de ideologías y demagogia, los necios esperan un final que los haga mártires de su obcecación. 

lunes, 9 de marzo de 2020

EL ENEMIGO DEL PUEBLO

Xilografìas de Eko su sitio aquí 
El tema de las mujeres, el asunto de las mujeres, la huelga de las mujeres, la furia de las mujeres, las protestas de las mujeres… ¿Es un problema únicamente de nosotras? ¿Qué no es evidente que estamos todas y todos involucrados? Con benevolencia nos dicen desde la cumbre del poder “la causa de las mujeres es una causa justa” ¿Es nada más nuestra?  Este problema se va a resolver hasta que sea de toda la sociedad, un problema de mujeres y hombres y de todas las clases sociales. La diferencia no solo viene de los hombres, viene de las mismas mujeres, las que dicen que ellas nunca han vivido ninguna situación de maltrato físico o verbal, las que dicen que nunca han sido marginadas. 
Xilografìas de Eko, su sitio aquì 
La contradicción es más flagrante cuando hay asuntos en los que no solamente opinan, sino que hasta legislan, y dejan de ser exclusivamente nuestros, como es nuestro cuerpo, que se considera una propiedad social. Entonces el cuerpo de la mujer es de las Cámaras de diputados y senadores, es de las religiones, es del marido, es de los chismosos, es de los proxenetas, es de los que insultan en la calle, menos de ella, menos de la que lo padece, lo vive, de la que nació mujer. En esas circunstancias todos los poderes opinan y ejercen, y en el momento de defenderlo, ahí estamos solas, cada quien con su minúscula fuerza, cada una sin la solidaridad de nadie, ni de la familia, y menos de una pareja, que al final puede ser un asesino.
El cuerpo de la mujer es de las feministas y puritanas, que critican y criminalizan la belleza, que discriminan a las mujeres que deciden estar orgullosas de ser cómo son. Nuestro cuerpo es del racismo, que decide quién es más bella. Nuestro cuerpo es de la medicina y la farmacéutica que utiliza los métodos más atrasados en investigación para tratar nuestras enfermedades, porque nos consideran reemplazables y que aportamos menos a la economía. La inversión en investigación para enfermedades de mujeres, incluido el cáncer, es menor que el resto de las enfermedades, por eso hasta los sistemas de anticoncepción son tan atrasados y en su mayoría enfocados a nosotros, no a los hombres.
Las mujeres debemos dejar de ser una propiedad social, es grotesco lo que sucede, si asesinan a una mujer es “culpa del neoliberalismo”, y si una mujer aborta es culpa de ella y la encarcelan. Si está embarazada es porque “no se cuidó” y si la golpean es porque se “portó mal”. Si tiene éxito es porque se acuesta con alguien o está histérica y nadie “se la coge”. Esos juicios nunca los recibe un hombre, porque su estatus no se cuestiona en la sociedad, tiene pleno derecho de existir y de actuar, las mujeres nos vemos obligadas a justificarnos ante la estructura social.
El sentimiento de culpa es parte de nuestra educación, desde el mito del “nido vacío”, hasta el de las madres que trabajan o las que no trabajan, la culpa es casi genética. Nuestro cuerpo no es propiedad de la sociedad, no es el enemigo del pueblo, ni del gobierno, ni de ningún partido político, somos seres humanos, y la “causa de las mujeres” es una causa humana. 
La incomprensión de esto tan esencial es inhumano.

sábado, 29 de febrero de 2020

ASESINOS

Grabado de Eko su sitio aquì 

Es indignante presenciar el espectáculo grotesco del Estado y su indiferencia ante los asesinatos de mujeres. ¿Por qué protegen a los asesinos? ¿Por qué solapan y encubren la impunidad? ¿Es un asunto ideológico, es parte de sus “creencias”, pretenden que los asesinatos se detengan milagrosamente? Es muy fácil matar en este país, la impunidad es una motivación muy grande, recomendar “jalones de orejas y rezos nacionales”  debe ser para los criminales una invitación a que continúen masacrando vidas, y se deben retorcer de la risa cada vez que escuchan esos razonamientos. Pues van a seguir matando, el maltrato y el asesinato a las mujeres  es parte de la idiosincrasia nacional, que se niegan a cambiar. Mientras en los pueblos originarios sigan repudiando a las mujeres que quieren estudiar y casando a la fuerza a las niñas, truncando los estudios por los embarazos adolescentes, la violencia va a continuar. El populismo multicultural se niega a educar  y condenar esas “tradiciones”. Mientras sigan culpando a las mujeres por su forma de vestir, van a seguir las violaciones.
El poder de no hacer, es ominoso, ofensivo, esa inacción es deliberada, no se aplican las leyes, no se investigan los crímenes, no hacen nada, la ineficiencia es encubrimiento. Las mujeres no tenemos que convencer de que somos seres humanos, que merecemos justicia, respeto y paz, eso lo debería saber el Estado, y parece que cada hora hay que recordárselos. En vez de tirar el dinero en  publicaciones feministas que no leen ni las escritoras que publican ahí, en vez de pagar comisiones que viajan a los congresos internacionales de feminismo, inviertan en educación y en procuración de justicia. No están haciendo nada, no hay campañas, no hay acciones en las escuelas, las adolescentes sufren violencia con sus novios, las golpizas ya son parte de los noviazgos en todas las clases sociales.
Imaginemos que desapareciéramos todas las mujeres del país, todas, incluso las que solapan al Estado y su dejadez, incluso las que mienten y dicen que nunca han padecido acoso o racismo en sus trabajos ¿qué van hacer los machines sin nosotras? ¿Se van a golpear entre ellos? ¿Van a ser felices gritando que ahora si ellos son los reyes del país, de su casa y de los trabajos? ¿Se van a sentir reivindicados, van a sentir que por fin son libres? ¿Se van a insultar y degradar entre ellos? Lo debería responder el Estado que nos quiere asustadas, indignadas o muertas, su negligencia así lo demuestra. La denuncia es todo lo que tenemos, las mujeres que mienten y dicen que nunca ha sufrido violencia física o verbal por ser mujeres, que niegan que tenemos un lugar menor en la sociedad, las que lucran con las políticas falsas de promoción y cuotas, también son responsables de esto, y deben asumirlo, cada centavo gastado en feminismos partidistas y de enchufe político repercute en la nula administración de justicia.
El Estado debería rezar por sus burócratas, sus amigos y seguidores, recen mucho, para que su dios les perdone su negligencia.

martes, 25 de febrero de 2020

LA CATEDRAL ESPERA SU TRAGEDIA

 La fe construye al arte sacro, es la fuerza que levanta las cúpulas y que hace interminables las columnas que las sostiene. Ken Follett escribió un pequeño libro sobre Notre Dame basado en sus novela Los Pilares de la Tierra, para donar las regalías para su reconstrucción. En la investigación para escribir este libro conoció las grandes catedrales de Europa, en todas, recuerda cómo los trabajadores dejaban en el interior de sus torres, basura, restos de materiales de reparación y colillas de cigarros, y pensaba que esos desperdicios un día provocarían una desgracia. 
 Las catedrales antiguas son obras de arte en sí mismas, cada fragmento está realizado por artistas y artesanos, las esculturas y capiteles, los murales y pinturas de los altares. La obra no concluye con el edifico, le mandan escribir música coral y conciertos, por eso en su corazón habita un órgano que se fabrica especialmente para cada recinto, la atmósfera es una obra de arte, lo que se escucha y vemos, la luz del sol que se filtra por los vitrales de colores, y entendemos que el camino del misticismo inicia en los sentidos. La Catedral de Notre Dame fue incendiada por la negligencia y la irresponsabilidad humana, es una pérdida irreparable para la Historia del Arte, hoy no existe esa decisión de construir la devoción en la Tierra, y la devoción al arte. 

La Catedral Metropolitana de la Ciudad de México está esperando su propia tragedia, no vivimos tiempos de fe, el revanchismo no da espacio ni para el arte ni para la protección de obras maestras irrepetibles. Desde la plaza del Zócalo se ven las grandes ramas que crecen encima de las cúpulas, que están rompiendo las estructuras, el despedazamiento de las piedras de sus torres, las ventanas arqueológicas del piso están invadidas por vegetación. ¿Qué están esperando para reparar ese daño?  Si esto está así es porque el interior debe ser más grave. La pérdida de Notre Dame le enseñó al mundo que el arte verdadero es insustituible, que no se hace con tecnología, se hace con la voluntad humana, cuando hicieron estas catedrales había voluntad de hacer arte, ahora hay voluntad de hacer dinero, de pagar arquitectos estrambóticos que no piensan en la misión del recinto, piensan en hacer negocio con materiales y constructoras.

Las cúpulas, ese milagro de la arquitectura, fueron verdaderos experimentos científicos, los antiguos arquitectos se arriesgaban con un ejército de trabajadores, para levantar aun más alto esas bóvedas que concentrarían un fragmento de la divinidad. Es inconcebible que una obra como nuestra catedral padezca ese deterioro y ese abandono, si en esta época no pueden hacer bien un centro comercial y las obras públicas quedan a la medida de la mediocridad imperante, qué van hacer si esta catedral se viene abajo, no hay elementos humanos ni tecnológicos para reconstruirla.
El abandono de estas obras es consecuencia del desprecio generalizado que hay por el arte y la cultura, creen son un lujo prescindible y quedan fuera de la agenda política. De esos miles de millones que van a gastar en el Orozco Park, podrían destinar un poco para reparar la Catedral Metropolitana, que es más valiosa que todo ese proyecto.

martes, 11 de febrero de 2020

NO LA ROMPÌ, SE PULVERIZÒ

 Un vidrio templado de 8 milímetros resiste el impacto de una bola de acero de 500 gramos de peso que cae de 2 metros de altura, sobre un vidrio sostenido en dos listones metálicos, separados uno de otro. Entonces ¿Por qué se pulverizó la obra antes de que pudiera tocarla en Zona Maco 2020? Las especulaciones y juicios no aportan nada, aquí expongo el peritaje del estado de la obra que realicé entrevistando tres diferentes expertos: un diseñador industrial, un proveedor de ese tipo de vidrios y un escultor. 
la obra en otra versión, con otros objetos, es decir, no es única, y se puede volver a hacer.  
La obra consistía en un vidrio que tenía atravesados dos pelotas, una piedra, una pluma de pájaro, un cuchillo, sostenido en un débil bastidor de metal. Me pareció carente de atributos artísticos, me acerqué al vidrio y tomé la lata vacía de refresco de uno de mis acompañantes, la puse en el piso, mostré que es irrelevante lo que ese objeto tenga atravesado, podían ser pelotas o latas. Tomé la lata y la acerqué a la piedra que estaba sostenida por un gran tornillo, y sin alcanzar a tocarla, el vidrio implosionó, se desintegró en pedazos. Me dicen los expertos que un vidrio mal templado y mal cortado se puede romper espontáneamente, en cualquier momento. Al estar mal templado y forzarlo para ponerlo en el soporte, puede estallar, esto sucede en el momento o después.
El vidrio templado es un vidrio de seguridad que se utiliza en puertas de baños, muros y para cubrir edificios enteros, me dicen que la obra estaba realizada con un vidrio demasiado delgado, para un objeto así debería ser de por lo menos 10 milímetros de grosor, el soporte no era el idóneo porque no permite que el vidrio descanse adecuadamente, en el piso debe llevar un apoyo de plomo. Estos vidrios no están hechos para cargar, el peso de los objetos debió estar forzando al vidrio, y con un soporte inadecuado, estaba fragilizado. Las áreas más vulnerables del vidrio son las esquinas y tampoco estaban debidamente protegidas.
Le ofrecí a la galería que me haría cargo de la restauración, un proceso normal en este tipo de objetos de fabricación industrial, el artista también la mandó hacer, podemos hacerla de nuevo. Es una obra reproducible, el artista tiene otra versión de ese objeto, sobre los “difíciles cortes milimétricos realizados con agua”, es un proceso industrial que sin dificultad se manda hacer a un taller. Al trasladar esa pieza se debió desarmar y luego se armó en el lugar, si en el armado, la tensaron de más, la obra iba a estallar en cualquier momento. No es una tragedia, no estamos ante una obra irreparable, puede ser restaurada, y ofrezco de nuevo a hacerlo, no la toqué, no la  golpee, no la agredí. 

Si un vidrio de seguridad no soporta el mínimo contacto, que insisto no la toqué, entonces el vidrio estaba dañado y mal empleado, por lo tanto al limpiarla o moverla se iba a romper.
Me sucedió a mí, es terrible, me difaman al afirmar que fue intencional. El arte VIP no es consecuente con sus propios argumentos, estas obras son remplazadas continuamente, porque el servicio de limpieza las tira a la basura, se pudren, etcétera, y el reemplazo vuelve a ser considerado arte. Lamento el hecho, agradezco al galerista de OMR su ecuanimidad.

viernes, 31 de enero de 2020

NO LES PAGUEN


La Historia del Arte es la historia de la precariedad, los seres humanos somos capaces de realizar miles de labores distintas para ganarnos el jornal, y de todas ellas la única que tiene que dar explicaciones de por qué necesitan un pago, son las relacionadas con el arte y la cultura.
Los artistas contratados por la Secretaria de Cultura para el mesiánico proyecto de Cultura Comunitaria exigieron sus pagos atrasados con protestas y pancartas ¡Cómo se atreven! ¿Después de siglos de existencia del arte no han aprendido que esto no se paga? Nuestros funcionarios y el público en general lo saben perfectamente, por eso cada vez que le solicitan un curso, una conferencia o lo que sea, la primer pregunta es “¿entonces si cobras?” Y la segunda es “¿Y cuánto, para ver si hay recurso?” Porque en esta época el dinero ya no se llama así, se llama “recurso” y la comunidad artística se supone que vive de sus recursos creativos y emocionales, no de dinero. La Secretaria de Cultura hace bien en no pagar, que mantenga esta centenaria costumbre, porque es evidente que la mayoría de sus “recursos” son necesarios para alimentar y pagar a los centenares de burócratas que viven del arte y la cultura a través de esa Secretaria. En el aparato Estatal de cultura todos merecen ganar su sueldo, menos los que producen cultura, esos, que vivan de la inspiración, que para eso tienen sensibilidad y talento.
La bondadosa incitativa pretende llevar el arte a las comunidades más desprotegidas y no se han enterado que entre ellas están los teatreros, los bailarines, los músicos y los pintores, los poetas no cuentan porque ellos son bohemios, esas comunidades artísticas si están en el abandono, pero los importantes son los que dirigen las direcciones y las subdirecciones, los que firman papeles, los que tramitan oficios, hacen llamadas y cancelan citas, los burócratas asalariados con prestaciones y seguros. Los artistas eligieron la vida en libertad y el establishment se los recuerda, y cuando quieren ganar un sueldo se sorprenden “¿eres un ser humano con necesidades? Nunca lo hubiera imaginado”.
La Secretaria de Cultura emplea todos sus “recursos” para el proyecto del Parque de Gabriel Orozco, Orozco Park, que está costando una fortuna, va a beneficiar sólo a los habitantes de la CDMX y es más prioritario  que proveer a los museos del país, pagar nóminas de artistas y otras superficialidades.
Analizando la situación, el arte y la cultura son tan irrelevantes en esta época, que no debería existir una Secretaria de Cultura, porque si la comunidad cultural, los museos, las compañías de danza, las de teatro, los músicos, no merecen apoyo logístico ni financiación, entonces ¿para qué necesitan un mega aparato de administración? Desaparezcan a toda la Secretaria, cierren museos, cancelen teatros, y el ahorro va a ser fenomenal, imaginen cuánta abundancia, pueden hacer un Disneyland dentro del Orozco Park, y vender los boletos carísimos, algo que de riqueza, no como el arte, que sólo alimenta a la inteligencia y el espíritu.

lunes, 27 de enero de 2020

ARTE RACISTA

Charles Le brun

La tendencia del arte contemporáneo es “analizar” las obras desde los “aspectos fisionómicos” de los artistas, la reflexión será “etnizar el arte y sus expresiones esenciales de raza”. Regresamos al denigrante racismo científico, ahora lo edulcoran  como “racismo positivo” para hacer “visibles a los invisibles” y la gran contradicción es que lo hacen desde la estigmatización y el señalamiento. El análisis no será desde las cualidades y características estéticas de la obra, será si el artista es: “étnico, afroamericano, marginal o mujer”, en ésta ideología de moda ser mujer nos pone detrás de los marginales. El racismo científico es parte de las pseudociencias, surgió para dar argumentos al racismo, que señala al origen biológico, geográfico, raza y género como causa de las diferencias intelectuales, morales y emocionales de las personas.
Este racista criterio curatorial afirma que la “biología” de una persona produce arte o cultura, regresando a definir y clasificar al individuo por características, que además carecen de objetividad porque mezclan religión y preferencias sexuales en sus clasificaciones, es como pensar que un indígena pinta de determinada manera por el color de su piel, no por una decisión intelectual y estética de lenguaje.
La estratificación de las razas, la insistencia de que sigan existiendo y sean notorias, rechaza el mestizaje, legitima las diferencias como motivo para mantener la segregación, negando la libertad personal de pensar, decidir y hacer fuera de un ámbito superficial como la apariencia física, condenando al individuo a no salir del rango que le ha sido asignado. Las salas de los museos se convertirán en pequeños ghettos en donde se confinará al arte femenino, o “nuevos feminismos”, “arte gay”, “arte indígena contemporáneo”, y así sucesivamente, impidiendo la integración que aporta reunir en una sala a las obras que demuestren maestría y lenguaje poético, sin importar si están realizadas por una mujer, un hombre o quién sea. 
El arte es el lugar en donde se deberían resolver las diferencias y las inequidades, y no al contrario, ahora el arte es para señalarlas como barreras infranqueables, impidiendo un mestizaje creativo que sume las distintas formas de ver el mundo. Al realizar, por ejemplo, una exposición colectiva de paisaje, el tema une las búsquedas y observamos las obras sin separar las de mujeres, de indígenas o de personas LGTB, y rompemos las barreras. Los abanderados de las modas ideológicas, la corrección fascista, impone un criterio curatorial que la ciencia ha desechado por ser ideología que únicamente mantienen los grupos supremacistas. La supuesta “visibilidad” que impulsan también es para incrementar la burocracia, por cada ghetto habrá un curador especializado, y entre más segregación haya más curadores cobrarán en nómina. 
El racismo curatorial decide las diferencias para clasificar a los individuos, y por supuesto, son los curadores los que están en la cúspide de la pirámide, el siguiente paso es que hagan salas de artistas ricos y salas de artistas pobres.

jueves, 16 de enero de 2020

NUEVOS MUSEOS

El Museo de la Cruda o la Resaca o Hangover, se inauguró en Zagreb, Croacia, casi al mismo tiempo que la flamante sala de performance en el MoMA de Nueva York, es una coincidencia que dictará las tendencias del arte para el 2020. 
Sala de performance del MoMA
 En el movimiento de Fluxus, Joseph Beuys promovió la unión de performance y sustancias, así que las similitudes entre los performanceros en la sala de un museo, y los aficionados a  la ingesta de alcohol son evidentes: comportamiento errático, sobre actuación, exacerbación de las emociones, desinhibición, infringirse daño físico, excitación, incluidos los vómitos y la falta de control de los esfínteres,  etcétera, la diferencia es que uno paga lo que se toma y al otro le pagan por comportarse de la misma forma, con el privilegio de ser considerado artista y no ser expulsando de ningún antro o cantina.
Sala de performance del MoMA
  Aplicando el “arte ampliado”, la museografía del Museo de la Resaca está inspirada en los museos de arte contemporáneo VIP,  son instalaciones realizadas con los objetos “curiosos”  de las borracheras que aparecen al día siguiente, gracias a la amnesia que se padece en esas circunstancias, cuando lo más saludables es olvidar. Al finalizar los Happenings de Fluxus  los artistas VIP recolectaban los objetos que utilizaron: vasos de plástico, ropa, restos de comida, etcétera, y los exponían en vitrinas, es el origen de las instalaciones del arte VIP, por ejemplo, el camión en donde vivieron por varios años Marina Abramovic y su amante Ulay, y en el que metían gente para tener sexo y “nuevas experiencias” se expuso en el MoMA,  si exponen esa obra al Museo de la Resaca, funciona perfectamente, cuántos habitués a las cantinas no han vivido una situación similar. 
Sala de performance del MoMA
 Los dos museos tienen intenciones didácticas, en uno previenen del abuso del alcohol y en el MoMA tratan de educar al público sobre la importancia del performance,  son fines muy loables, saber que el exceso es perjudicial para la salud lo han comprobado los sacrificados performanceros que se cuelgan, flagelan, embarran de sangre o petróleo, es muy oportuno que adviertan a los niños que esas actividades, sin la protección de una beca del gobierno y de un curador, dañan seriamente el prestigio social.  
Sala de performance del MoMA
El programa de becas podría ser compartido, incluir las fiestas y los excesos como un “Programa de experimentación performática”, como ya sucede en los talleres de performance, en donde se invita a los alumnos a consumir sustancias para adquirir más desinhibición en sus acciones. Por increíble que parezca, esa irresponsabilidad pedagógica, es parte del sistema de muchos académicos y es sujeta de apoyos económicos, así que los “artistas” del museo de la Resaca, merecen trato igualitario. 
Museo de la Resaca 
Las políticas de formación de públicos podrían generar actividades entre los dos museos y abrir sucursales, porque están globalizados el consumo de alcohol y la incursión de decenas de miles de artistas VIP en el performance, cada país tiene un museo de arte VIP que subvencionan y dotan de arquitecturas excéntricas y costosas, es momento de abrir sus propios museos de la resaca y ampliar la oferta artístico-cultural. La diferencia es que hay cosas que hacen los performanceros y que no haría ninguna persona en estado etílico, pero eso se solucionará con la motivación de que su obra será expuesta en un museo. 
Museo de la Resaca 


Museo de la Resaca 


Museo de la Resaca 


Museo de la Resaca 

martes, 7 de enero de 2020

PARÀSITOS


La razón de ser del capitalismo, y del ahora renovado neoliberalismo, es la diferencia de clases, la “motivación” de tener lo que otros tienen, la estigmatización de fracaso, el enaltecimiento del “éxito”, son el motor de su progreso.  Parásitos, la película del director de Corea del Sur, Boon Joon-Ho, se muestra como una crítica al capitalismo, y sin embargo va mucho más allá.
La historia reúne a  dos familias, que viven en circunstancias completamente opuestas: una familia que habita en un sótano en ínfimas condiciones, con empleos temporales, carecen de internet y sueñan con tener wifi en toda la casa, comen fast food, la madre fue medallista olímpica y escapó de  Corea del Norte, con dos hijos talentosos, el hijo habla perfectamente inglés. La otra familia es muy rica, vive con lujos inimaginables para una mayoría social, dos hijos pequeños, coches europeos, sirvientes. La lucha de clases, las familias representan las diferencias sociales, una es la antítesis de la otra. El drama lo desata la ambición humana, de lo que somos capaces por ascender de estatus, que es justamente lo que el sistema quiere que hagamos. La familia pobre entra en la vida de la familia rica,  haciendo a un lado a los sirvientes con trampas y difamaciones, eso es válido en un sistema donde la ética es un estorbo para alcanzar el éxito. La familia rica los integra como parte de sus lujos, ellos no son humanos, son herramientas que hacen su vida más fácil, para eso es el dinero. El progreso significa que entre menos hagamos, más avanzados estamos, y el dinero compra  tiempo que a los ricos les permite delegar tareas para estudiar, viajar, vestir mejor, verse bien, esa es la gran diferencia, unos usan su tiempo para trabajar y sobrevivir y otros lo usan para ser felices.
En una metáfora de la perdición, del caos que destruirá a las dos familias, una gran tormenta inunda la ciudad, los ricos viven en la cúspide de la montaña, ven la lluvia desde su hermoso jardín, los pobres bajan hasta su casa, es un trayecto doloroso y denigrante, al llegar, su sótano está inundado y sus pocas pertenecías, entre ellas la medalla de la madre, están perdidas en el agua. Las diferencias están en la forma de vivir y padecer la realidad, del juego del sistema que hace de los privilegios de unos los motivos de otros. La idea de un sistema más justo es ilusoria, la injusticia es su razón de ser, en un momento de la historia, el padre pobre dice “nunca tengo un plan, el que hace planes puede fallar, sin plan no hay fallas”, sin dinero no podemos controlar la vida, a más dinero más planeación y prevención.
La crítica es rebasada por la estética, la película es elegante, las actuaciones son teatrales, la musicalización lleva una edición virtuosa, es una lección ver un argumento sólido sin panfletarismo, sin el maniqueísmo de buenos o malos. Es la tragedia de vivir en la utopía de la injusticia generalizada, que los humanos hemos inventado para someternos a la autoexplotación que detona la autoestima.

martes, 31 de diciembre de 2019

DESERT MUSIC


Théodore Géricault, Study of feet and hands
El arte es para vomitar a la realidad, para llevarla adentro, tocando lo más oscuro y sacarla, talvez más terrible, talvez más insoportable. La existencia no tiene tiempo, ni siquiera es nuestra, pensamos que la vivimos, que le damos un sentido y desde ese punto en que no podemos cambiarla nos demuestra que estar aquí, que ser lo que creemos que somos, es una ilusión de nuestra vanidad. Entonces llega el arte y nos enfrentamos a algo que nos deja vivir, sentir que se puede cambiar un ápice nuestra insuficiente condición. La pesadilla intemporal y eterna de la frontera mexicana, ese lugar del tránsito penitente, en el que la degradación se concentra infranqueable, agujero  claustrofóbico del que sólo se escapa con un poema, canta William Carlos Williams, ante un cadáver sin piernas y sin brazos que podría ser un huevo o un montón de harapos, “¿Cómo decir lo que ha de ser dicho?” “Solo el poema”.
“Solo el poema” y el poema está sólo, y el arte está sólo y la creación está sola, y vivimos esta realidad, la padecemos, mentirosos decimos que la gozamos, falseando creemos en lo que hemos hecho de nosotros y en el puente entre el Paso, Texas y Ciudad Juárez, el poeta ve un cadáver. “Solo el poema medido con exactitud, imitar y no copiar, la naturaleza: no copiar la naturaleza” el arte no copia, imita, observa, aprende, se traga eso que desea y lo vomita, y ahí está la obra, ahí está la realidad y así, como leer un poema o como ver un dibujo, entendemos algo, intuimos que por fin, eso de tan insoportable tiene explicación, tiene que estar ahí, en ese instante y ser para nuestro ser, ser para el arte.
Los que no quieren ver dicen con parca ignorancia “pintura retiniana” negando la presencia de los sentidos en la  contemplación, los sentidos que nos obligan a tragar esa realidad y nos empujan a asimilarla pedazo a pedazo con un poema o un dibujo. Detenidos, esperamos el símbolo que contiene esa cotidianidad que no soportamos, balbuceamos la metáfora que la sublima, refugiados en el artificio de la forma, podemos soportar lo que nos es dado, lo que nos ha condenado, y acumulamos en la memoria poemas, imágenes, música que significan el todo que nos acorrala, y así, adoramos aquello que aborrecemos.  La prostituta que baila grotesca, los gringos borrachos y a Williams “se le atraganta el poema” porque debe salir, debe ser expulsado  así con la violencia en que entró esa suciedad, ese cadáver. “No consigo escapar” “No consigo vomitarlo” “Solo el poema escrito, el verbo lo trae al ser”. La belleza, la presencia misma de la obra, es un cuerpo destazado, el artista toma sus pedazos y los lleva al color, los reúne en palabras, los desbarata en música, y sobrevivimos gracias a esos despojos.
El arte, sacarlo todo, no cargarlo dentro, dejarlo atrás convertido en poema, en algo que ya no es ese momento, que es todos los momentos, que se queda ahí, triunfando sobre este espanto que no comprendemos, “una agonía de la autoconciencia”  y que nos seduce, nos convence, de que esa agonía tiene sentido, recompensa y final, mientras alarga el camino sin salida.

jueves, 26 de diciembre de 2019

EL IRLANDÈS

Julius Caesar  British Museum V1

Hay que temer a la envidia, más que a la fuerza del ejército enemigo. Hay que temer a la propia codicia, más que a la codicia del enemigo y hay que cuidarse de lo aliados, de ésos que nunca mostrarán el rostro mientras sacan la espada, es la esencia de Julio César y es la escuela del Príncipe. Las ruindades y glorias del poder, sus putrefactas entrañas y el camino más certero para alcanzarlo está en los versos de Shakespeare y en la tesis de Maquiavelo.
El Irlandés, película de Martin Scorsese, la descripción de la arrogancia del poder parece inspirada en las dos obras del Renacimiento, de ese periodo de la Historia en que la elocuencia y el asesinato fundaron imperios. El líder sindical Jimmy Hoffa, como Julio César, se deja arrastrar por su propia demagogia y egolatría, populista que conoce los sentimientos que desatan la lealtad de la masa, sabe que la venganza de clase es un deseo que nunca se sacia, y que prometerla genera una lealtad inquebrantable. El personaje de Al Pacino es el líder esperpéntico y ridículo, oratoria inmediata, su constate dar y dar, en la medida en que crece la fe, aumenta su miedo. En el poder no hay lealtades, hay oportunidades, el servilismo se transforma, los privilegios no compran la seguridad de mantener la corona y la vida.  Marco Bruto, leal servidor, lleva la acción, Robert de Niro, tiene encomendada la vida del líder y será él quien deba quitársela. Casio, Joe Pesci, intriga, y trama la solución que desde el Renacimiento hizo de la política el arte del asesinato, el líder que rompe con el equilibrio del poder adelanta su caída.
 El Irlandés es una narración intemporal, magistralmente contada, con momentos pictóricos en su construcción, internada en la decadencia social de la que somos incapaces de escapar por esa arrogancia que se empeña en creer en líderes mesiánicos que se convertirán, gracias a la fe ciega, en tiranos impotentes.
 Maquiavelo nos advierte la diferencia entre ser un príncipe temido o amado, que el príncipe demasiado benévolo deja que el reino caiga en la violencia y la rapiña, es fácil de invadir y dominar, y su pueblo terminará por perderle el respeto. El balance ideal es ser al mismo tiempo temido y amado, es muy difícil de lograr, entonces se debe elegir ser temido, el ejemplo es César Borgia, con crueldad consiguió unificar su reino. En El Irlandés, el líder es temido y justamente lo asesinaron sus cercanos, los que él amaba. La corrupción es el gran personaje, el orgullo del gremio, la idiosincrasia folclórica de la clase que detenta la fuerza de manipular y decidir. La anécdota “histórica” que pueda ser el argumento describe cómo el Renacimiento o el sindicalismo norteamericano de la época de Kennedy, o el populismo actual, tienen la misma conducta y comparten el drama de las verdaderas motivaciones de la ideología. Dictadores, príncipes, sindicalistas, o líderes populistas, ahí están todos, cada siglo, devorando los cadáveres de sus antecesores, construyendo sus tumbas con las ruinas de sus estatuas.

lunes, 16 de diciembre de 2019

ZAPATISMO DE MEDIOCRES


 El valor artístico de una obra no es una apreciación moral, es una apreciación estética. “No hay libros morales o inmorales, hay libros bien o mal escritos” dijo Oscar Wilde, aquí se aplica perfectamente: no hay pinturas morales o inmorales, las hay bien o mal realizadas, y la pintura de Zapata es una pésima obra. Es inconcebible que esa pintura  estrepitosamente mediocre esté colgada en el Museo del Palacio de las Bellas Artes en la CDMX en la exposición Emiliano Zapata después de Zapata. En la pintura aparece el caudillo desnudo, muestra la nula capacidad simbólica del autor para manifestar una idea, llevándola a la inmediatez vulgar para llamar la atención, fue seleccionada por la torpeza y la vanidad curatorial, apoyada por la irresponsabilidad burocrática. El disgusto social no es polémica, llamarle así es disfrazar un gran error institucional por la selección de una pintura se burla de la supuesta homosexualidad de Zapata, y denigra la sexualidad no sólo de ese hombre sino de toda la comunidad LGTB.
El hecho de que un héroe histórico tenga determinada sexualidad no es motivo para ridiculizarlo, y con esta obra el homenaje se convirtió en un juicio injusto para Zapata y para la comunidad LGTB. La moda de “bajar a los héroes de su pedestal” inicia con su sexualidad, porque eso los debilita, hace que pierdan la fortaleza que los mitifica, acercándolos a lo humano, el asunto es que burlarse de su sexualidad no es humanizarlos, es degradarlos como sucede con cualquier persona sea o no un personaje histórico. Ridiculizar a un símbolo, por ejemplo cuando la afectada es la imagen de la Virgen de Guadalupe, desata la previsible protesta y los responsables se hacen las víctimas y dicen que son perseguidos por la censura, y en la mayoría coinciden con que las obras carecen de mérito estético y su único contenido es el golpe gratuito.
Los símbolos tienen un valor intangible, individual y colectivo, ese valor merece respeto, eso es de elemental convivencia social, no se trata de censura, es cordura, la exposición es un espectáculo público, pagado con los impuestos de todos, y es injusto que pidan respeto para una pintura mediocre que sabían que iba a ofender a un grupo de personas. La exposición podría haber pasado sin mayor atención del público, hoy es noticia gracias a una pintura de ínfima calidad, eso describe los verdaderos fines de los museos, que buscan el escándalo para acarrear gente. Los directivos del museo intencionalmente eligieron una obra para causar problemas, así que dejen de llamar a la “tolerancia” y el “respeto por todas las manifestaciones”.
Esa obra con su abrumadora mediocridad le falta al respeto a Zapata, a la comunidad LGTB que tanto ha luchado por  la dignificación de sus valores y le falta al público que merece ver obras de calidad en un espacio como ese. Hicieron famoso a un pintor mediocre, ya se hicieron las víctimas, si esta es la “cultura para el pueblo” se ve que tienen al “pueblo” en un concepto despreciable.

martes, 10 de diciembre de 2019

BANANA OBSESSION

Maurizio Cattelan 2019 
 La revelación ha llegado, el subconsciente emerge de sus oscuras cámaras y sin pudor exhibe sus inclinaciones: los artistas contemporáneos VIP tienen fijación oral con las bananas o los plátanos o como su mercado les llame. En las fiestas bacanales de las ferias de arte lo han susurrado, desde la portada de Andy Warhol para Velvet Underground, la cáscara en el piso de  Jeanne Silverthorne, y el camión con una tonelada de bananas de Paulo Nazareth en Art Basel, que narré en mi blog https://www.avelinalesper.com/2011/12/banana-affaire-art-basel-2011-miami.html, ahora se suma a esta lista de patologías la “escultura” de Maurizio Cattelan: una banana pegada con cinta adhesiva a la pared. La obsesión oral responde a la dependencia que tienen estas obras con el texto, éstas bananas simbolizan la densidad intelectual que los expertos y curadores meten en las bocas, cerebros y cuerpos de los artistas para que puedan justificar sus obras, sintetiza la relación artista-curador-galería. La obra significó un gran esfuerzo para Cattelan, así debe ser, si algo caracteriza a este tipo de obras es que todas están por encima de las posibilidades de los artistas, después de “un año de trabajar en ella”, de escoger entre las docenas que estaban en el mercado, optó por tres piezas que él consideró masterpieces y dos más como “pruebas de artista, artist’s proofs”. 
Paulo Nazareth 2011 
 La sabiduría de los artistas es innegable, el mercado del arte, en sintonía con el mercado de bananas, le dio la razón y tres compradores, entre ellos un museo, la adquirieron por 120 mil dólares. Los compradores preguntaron si la banana-obra tiene instrucciones para conservarla y la galería respondió que recomendaban cambiarla cada semana “como sucede con las flores”, lo que no aclaran es cuál es el criterio para sustituirla, muy madura o media verde, muy amarilla o un poco oscura, se pega a la pared con la curva a la izquierda o la derecha, tampoco indican cuántas veces se puede sustituir, lo ideal es que un curador de una asesoría especial a cada coleccionista y de seguimiento al proceso de la obra, recordemos que Cattelan dedicó un año para tomar estas decisiones y eso que es artista, imaginen para un neófito millonario, esto es casi imposible. Es una lástima que en la Biblia, Eva se come una manzana porque si se ha comido una banana sería la santa patrona del arte VIP. 
Jeanne Silverthorne (2007) EUA 

Los teóricos bananeros del paradigma del arte contemporáneo VIP se podrán tragar, ahora sí, todas sus tesis, esta obra confirma los orígenes y los fines de este estilo: el arte VIP es la democracia de los estúpidos, al ser mayoría merecían ser ellos los que dirigieran el destino del arte. El performancero que arribó a la feria y se comió la obra ratifica el análisis, “me comí a la obra y su concepto”, y agregó “no soy un ser humano normal, soy un artista, un performancero, no estoy comiendo una banana, estoy comiendo arte”, este genio merece compartir un día su tumba con Duchamp y que la limpie Marina Abramovic. Es una lástima que el resto de los artistas VIP, que esperan con ansias Art Basel Miami, y piensan sus obras durante un año completo, dudando entre llevar calcetines, platos rotos, vómitos, etcétera, no se les haya ocurrido a todos, en una epifanía colectiva, llevar una banana. Esto pasa por no seguir en consejo de su psiquiatra y sacar en la terapia todas sus fijaciones, se habrían atrevido a “hacer” una obra que de verdad representara su vida,  eso es lo que buscamos del arte. 120 mil dólares no son suficientes para que esto se consagre, falta que una universidad abra la cátedra arte bananero, o la ontología de la banana o resistencia social y bananismo, y den doctorados. La dictadura de la estulticia cotiza en la bolsa de valores. 

martes, 26 de noviembre de 2019

ANESTÈSICOS

La Ronda Nocturna vandalizada 
 Crear una obra exige la existencia, destruirla pide un instante. Tomar la decisión de manifestar las más íntimas ideas y pesadillas,  a través de las virtudes que cultivamos, llevarlas al escenario de la galería o el museo, es la aventura de hacer arte, mientras destruirla sólo pide el vicio autoindulgente de la envidia. Recuperar y conservar una pintura o una escultura, el trayecto novelesco de una obra que sobrevivió siglos, pasando por guerras, herencias, persecuciones, censura, pasiones, y alcanzar el reposo en las salas de un museo, hasta que llega alguien cargado de ira y se lanza en contra de esa historia. La Gioconda y el dibujo de la Virgen, el niño y Santa Ana de Leonardo, la Piedad de Miguel Ángel, la Venus del Espejo de Velázquez, La Ronda Nocturna y Dánae de Rembrandt , el Pensador de Rodin, El Guernica de Picasso, han sido atacados, demostrando que la violencia es un retroceso en la capacidad creadora. Restaurar la pintura Dánae de Rembrandt fueron 12 años largos y tortuosos, el criminal le arrojó ácido y la acuchilló, destrozando la belleza de la estéril princesa, cubierta de la lluvia dorada que Zeus obsequia para fecundarla. En muchos casos argumentan que los ejecutores padecían una enfermedad mental, y sin embargo eso no explica el odio que desata v el portento de la inteligencia materializado en una obra de arte. 
Danae Vandalizada 

Los griegos llamaban “anestésico” al que era incapaz de apreciar el arte y la belleza, era “insensible”, de ahí se deformó el uso de la palabra para llevarlo a la medicina. En los museos desde que el selfie invade las salas, muchas obras han sido dañadas sólo por el gusto de tener del instante de la fotografía. Las innumerables manifestaciones sociales con consignas de variada temática destrozan lo que ven a su paso, incluido el arte, en ellos y en los selfie adictos no cabe el argumento de enfermedad mental. Son evidentes las coincidencias entre los  criminales psiquiátricos, los turistas y los criminales activistas con “causa”: la primera es la decisión que ellos son más importantes o valiosos que esa obra; ellos tienen la autoridad para destruirla; la presencia estética de esa obra es un motivo para destruirla; desprecian el valor comunitario del arte que está en la calle o en los museos; la obra les permite exhibirse a través de ella; finalmente, sus motivaciones destructoras son más fuertes que las motivaciones creadoras.
El criminal que dice que es Jesucristo y rompe La Piedad con un martillo es igual que el “justiciero social” que hace lo mismo en su protesta, porque los motivos no cambian el resultado. Es incongruente que nos pidan solidaridad con una causa y repudio con la obra. El arte y la belleza son buenos para la sociedad, un entorno con obras públicas y en los museos crea un ambiente armonioso. El origen de la palabra “vándalos” está en los invasores bárbaros que en la guerra saquearon a la antigua Roma, son los destructores. El saqueo cultural y moral se hace destruyendo al arte.  

martes, 19 de noviembre de 2019

LA MANZANA Y EL CEREBRO

 Crear es una necesidad que inicia con el conocimiento y la curiosidad, un proceso cognitivo que es inherente al ser humano. Me invitaron a impartir un curso en un colegio, a los alumnos de sexto de primaria sobre el ejercicio que realizamos en la Colección Milenio Arte al comisionar a los artistas una pintura inspirada en un poema, dentro de la serie La Poesía vista por el Arte. El camino para llegar al poema inició con la observación y la descripción, los niños observaron una manzana con detenimiento, y describieron su forma, colores y sabor.
La curiosidad que se mantiene alerta en esa edad en la que nos dedicamos a aprender, los retó a encontrar la mayor cantidad de colores en su manzana. Las niñas y niños excitados por su descubrimiento estaban impacientes por dibujar su manzana. Al momento de hacerlo los dibujos dejaron atrás la simpleza de usar un color, las manzanas tenían  matices, volumen, sombras, y los alumnos mostraban muy orgullosos lo que su observación había descubierto.
¿Qué habría sucedido si mutilo ese proceso? Si les digo a los niños que no tienen que observar, describir, ni dibujar a la manzana, que la fruta ya es arte, es un readymade y que no es necesario recrearla en una obra. Les informo, para sostener esa imposición injusta, que una señora híper mediocre llamada Yoko Ono así lo hizo y la expuso en el MoMA, amparada por un curador y una estructura ideológica que desprecia a la inteligencia y el hacer artístico, es decir la factura de la obra. El daño habría sido muy serio, la relación de la concertación para la observación, el esfuerzo por re-conocer algo que creían conocido y llevarlo a otro nivel de conocimiento y, además, recrearlo con toda esa información, se habría roto, por la dictadura de un estilo artístico que fractura los procesos cognitivos para alentar a la mediocridad. Las consecuencias en el cerebro de un niño o un aspirante a “artista” van a ser las mismas: perderán la capacidad de observación, análisis y recreación.
Para lo niños fue muy importante saber que ese proceso lo sigue un pintor profesional al realizar una obra, y trataron de que su dibujo tuviera esa carga del que ya sabe lo que está dibujando, no de un amateur, sino alguien que conoce su modelo para recrearlo. Es justamente la intención que menciona Aristóteles en su Poética, cuando llama a la obra de arte el resultado de un trabajo con “intención de ser artístico, no un trabajo automático”, sino uno meditado en el resultado.
El artista VIP que  elige voluntariamente  mutilar su inteligencia amparándose en un estilo de arte y su ideología, está degradando su integridad individual para formar parte del establishment, son conscientes de que el “privilegio” de enaltecer la mediocridad les permite una presencia artística que de otra forma no habrían tenido. Existen muchas formas de prostitución intelectual, el arte VIP está desprestigiando al arte sumiéndolo en una patológica desidia intelectual. Menos analíticos, sin capacidad de hacer o recrear, es el camino para tener una sociedad acrítica y manipulable, es el sueño del establishment.

SLOGAN Y SUEÑOS

XILOGRAFÍA DE EKO SU SITIO AQUÍ 

“La ilusión religiosa” se ha terminado, dice Freud, que es más difícil que creamos las promesas de la religión y que con esa angustia tenemos que enfrentarnos a las crueldades de la realidad, en la desolación y sin bendiciones. Creo que Freud se equivoca, ahora estamos viviendo el resurgimiento de esa ilusión religiosa, de un pensamiento mágico que nos aglutina y nos conduce a una falsa realidad que todo lo consigue, otorga y permite. La sobre politización de la sociedad, el maniqueísmo simplista y cómplice de las reacciones viscerales, ha convertido a las ideologías en las nuevas religiones que permiten las ilusiones de la masa. Derribar el Muro de Berlín no fue suficiente, los bloques se trasfiguraron en populismos que son igualmente fragmentarios, la gran diferencia es que pensamos que somos libres, así de efectiva ha sido la manipulación.
La gran bandera de esta ilusión es el arte contemporáneo VIP, que tuvo un crecimiento exponencial con la caída del Muro. Las exposiciones, los premios, las becas y la fama están en donde está el slogan, a mayor “compromiso social”, mayor reconocimiento artístico, y la ilusión, el espejismo milagroso opera convirtiendo en obras un montón de uniformes de guerrilleros o pasamontañas, etcétera, la politización es el arte. “
Las crueldades de la realidad” que dice Freud que no podemos soportar sin la magia de una religión, hoy el arte VIP las evade y las niega, ser ambientalista, feminista, activista, es decir, estar afiliado al maniqueísmo ideológico, los protege de su condición de personas sin talento. “Rendirnos a la realidad” es imposible, la realidad de no saber hacer nada se conjura con el performance de fotografiarse diario para ver cómo crece la barba o la barriga. La mediocridad tiene derecho a sus propios mitos y creencias. Las obras por estultas que sean, si van acompañadas de un slogan, son arte y esa es la más grande ilusión que podría haber inventado un sistema, ¿Cómo los artistas VIP se van a someter a un psicoanálisis masivo para enfrentarse a la realidad, si soñar es tan relajante? La fórmula es muy sencilla, alineados a una consigna se consigue hacer arte, es como comprar votos, “si votas por mi eres artista”.
La caída del Muro hizo de la ilusión de libertad el camino para imponer un nuevo absolutismo, el de la irresponsabilidad. La realidad como tal ya no existe, todo es arte, todos son artistas y los que estén en contra son enemigos, de la misma manera en que el populismo divide su realidad en buenos-nosotros y malos-ellos. La creencia subsiste, el fanático obtiene más que en una religión teológica, la religión ideológica les da privilegios aquí y ahora, el arte VIP en el opio de los intelectuales.