jueves, 28 de mayo de 2009

EL LENGUAJE DE LOS SUEÑOS EN EL ARTE

La Violación, Rene Magritte.
Dormir es entregarse, soñar es hacer de esa entrega un vicio. El lenguaje de los sueños ha vivido su propia evolución, tiene como la humanidad su antes y después de una era. Existen tres épocas de los sueños: en la primera éramos seres con dioses y oráculos, después las religiones monoteístas se convirtieron en aparato represor de la sexualidad y la llegada de Freud. Mientras los sueños eran divinos servían de mensajes, en el momento en que los dioses se olvidaron de nosotros por nuestra necedad de creer en otro paraíso que no fuera el cuerpo los sueños fueron un canal secreto que divulgaba nuestras miserias.
Para Cicerón los vaticinios de los sueños son los únicos que tienen respuestas verdaderas y nos da el origen de esas imágenes: que son inspiradas porque el espíritu en libertad es capaz de ver el futuro, son las almas de los muertos que se comunican con nosotros o porque el espíritu del oráculo nos utiliza como medio para decir algo. Lo que vemos y hacemos en sueños es una realidad intangible que guarda sus consecuencias. Son imágenes que crean un código que forma un lenguaje, a través de ellas entendemos mensajes y estos nos dice Cicerón nos ayudan a tomar decisiones. La decisión más trascendental que podemos tener con estás imágenes efímeras es hacerlas eternas a través del arte. Las almas que sueñan son libres y están excitadas sin raciocinio ni ciencia, por eso interpretar los sueños es trabajo de sabios.
Platón advertía que nos podíamos sentir avergonzados de nuestros sueños, que la embriaguez, el exceso de comida nos arrastraban a tener sueños incestuosos, vernos poseídos por animales y cometer asesinatos; esto más que invitar a la moderación es un reto para quien quiera vivir esta aventura o es una pintura de Blake en la penumbra. Los sueños son inspiración y significado de obras y podemos ver su mensaje, saber lo que el oráculo reveló al artista.
Sueño: A un hombre un doctor le saca una piedra de la cabeza, una mujer mira coronada con un libro, está en medio del campo y la sangre fluye del cráneo del hombre. El oráculo avisa, las piedras son el pasado, déjalo, extirparlo de la memoria, la mujer con el libro es lo que tienes que saber y no entra en una cabeza ocupada, vaciarla de pasado le da sitio al futuro. La imagen es del oleo “La extracción de la piedra” del Bosco. Soñar esto no es remoto lo que hace al genio es representarlo. El arte es una revelación, las pinturas del Bosco están habitadas por sueños, los personajes se entregan a animales, cagan dinero, son torturados y exhiben su desnudes en situaciones indeseables, estas pesadillas nos dicen que esos animales son una traición inminente y ese dinero que caga es pérdida. Los presagios nos dan la fuerza de seguir soñando, de creer y habitar esta realidad con una vida onírica que no controlamos, que nos hace suyos como un vicio y suprime nuestra libertad.
Lo que era lenguaje divino, para Freud fue lenguaje patológico, y los avisos de los dioses se convirtieron en señales de enfermedad y frustración. La humanidad dejó de tener conflictos de grandeza para tener conflictos de represión, y Freud escarba en el lenguaje de los sueños y lo traduce exhibiendo nuestra miseria, el nuevo oráculo de Delfos está en Viena riéndose del sufrimiento. En la medida en que las imágenes se acercan a Freud se alejan de los dioses y los oráculos. Los artistas que representan las imágenes del diván del psiquiatra crean lo que Cicerón identifica como sueños falsos y dice “los falsos parecen fábulas”. Entre los sueños que menciona como falsos está uno de Príamo en donde ve a Hécuba parir una antorcha en llamas, entonces para conocer la verdad consultó a Apolo quien en otro sueño le reveló que no reconociera a su primer hijo, pues seria la ruina de Troya y de Pérgamo el azote.
El sueño falso es un sueño que le encantaría Freud, diría que esa vagina que pare una antorcha es el odio femenino por la maternidad. Antes Priamo consultó al oráculo de Apolo, ahora el psiquiatra da una respuesta.
Los surrealistas tomaron las imágenes freudianas, era muy moderno estar en psicoanálisis y jactarse de eso. Las obras surrealistas dan un mensaje que se descifra con una visión psiquiátrica, lo que las hace posibles es que en la penumbra de un diván todo puede ser confesable, lo que las aleja de los sueños reales es la intención de hacerlas freudianas. La Violación de Rene Magritte es la síntesis de la sexualidad que creó la psiquiatría, es un rostro mudo con una vagina por boca, ojos ciegos que son pezones, es el sexo que no ve y no pide, esta para ser penetrado. La toma por asalto de los surrealistas con su invención del lenguaje onírico creo una nueva forma de soñar y de interpretar este lenguaje, esas imágenes poseyeron la conciencia colectiva y aunque nadie sueñe así admitimos que son sueños. Este nuevo lenguaje es intraducible para los que buscan vaticinios y traducible para los que buscan patologías.
Si para mirar a Blake y sus pesadillas necesitamos un oráculo que nos guie de la mano como Virgilio guió a Dante, con las obras surrealistas irrumpimos en emergencias. La mesa de Kurt Seligmann, hecha con tres piernas de un maniquí de mujer o la serie de fotografías de Hans Bellmer “La Muñeca” son cuerpos femeninos mutilados, despedazados, que construyen una cosa que no es una mujer, que hacen un ser que no siente el dolor, es una venganza que el analista diagnosticaría como odio a la madre y miedo a la sexualidad femenina. Esto revela una patología mayor, el sexo es un problema que antes no existía, es impensable que Cicerón describa un sueño de esta naturaleza.
En las obras del Bosco los personajes fornican entre ellos y están en un infierno eterno que es lujuria en todas sus formas, pero como desconocen el psicoanálisis y solo saben del pecado sus actos no tienen motivos inconscientes, lo hacen con deliberación, con violencia, la promiscuidad es una puerta que una vez franqueada no tiene regreso. Entre las limpias imágenes de diván de los surrealistas y las oscuras imágenes de Blake o del Bosco entendemos con certeza que cambiamos la penumbra de las pasiones por la luminosidad de una clínica. Transformamos el placer en dolor con susceptibilidad de ser anestesiado, lo que podía ser una pesadilla que nos revelara la inmensidad del abismo interno desembocó en un embudo para hacer un hilo que se puede diluir con opiáceos.
Nos trasformamos, del lenguaje de dioses hablamos el idioma de la vergüenza y ahora nos llenamos la boca con patologías nimias, con dolores que buscan receta médica.
Publicado en la Revista Replicante 19, La palabra y la lengua. http://www.revistareplicante.com/

domingo, 24 de mayo de 2009

BRONCE, ADORACIÓN Y JUICIO


Francesco de Bortolomeo Bordini, La Fama.

New York. No me des noticias, dame escándalo. La fama es una droga destructiva que acaba con sus adictos. Podemos seguirla como los adoradores fanáticos del dios efímero. Es la religión de los que aspiran a un paraíso inmediato de dioses carnales. Adorar, no orar. Es la única religión que nos da el placer de ver sacrificados a los dioses, muertos por sobredosis, con un tiro en la sien o fracasados. La religión perfecta. En el Metropolitan Museum de New York exponen Bronces Franceses desde el Renacimiento hasta la Revolución. Inicia con la escultura de Francesco de Bortolomeo Bordini, La fama, un ángel que en la Revolución perdió sus alas y su trompeta. Esta fama ya no tiene que anunciar, está muda. Al recibir el encargo, Bordini la hizo ligera y grácil, los príncipes le pidieron que fuera más voluptuosa, le agregó curvas, senos redondos, nalgas, vientre y piernas carnosas. En la Revolución le destruyeron las alas de madera y la trompeta; aviso de caída de la imagen de la nobleza. La escultura en bronce tiene la obligación oficial del retrato y el desenfreno de la alegoría y la invención, son historiadores y novelistas.

La selección es reveladora por la perfección que alcanzan los artistas en cada escultura, no sólo en el dominio de la técnica, estos son los creadores de las imágenes que le dan realidad y sentido a la historia y la religión. Los retratos entre el juicio y el psicoanálisis, Richelieu y María de Médicis son vecinos de sala, famosos por sus métodos de eliminación del enemigo. María envenenaba y el Cardenal intrigaba, estrategias políticas y efectivas. De Henri Perlan está la Máscara de Medusa de 1653, es el grito de espanto de los enemigos caídos de Luís XIV en su victoria sobre la Fronda. Dos serpientes se enredan entre ellas, coronando el rostro cruelmente horrorizado de Medusa, entre los cabellos de esta tiara maligna bajan otras dos serpientes hasta la barbilla. Las serpientes están dentadas, son fieras que nacen de la fiera. Medusa abre la boca, grita, toda su musculatura esta expandida en ese aullido largo, gutural, histórico, es el abismo de sobrevivir a la decapitación. Maldice la fama que se inscribe en la Historia. El horror inspira tanto como la belleza, nos da ese placer enfermo de contemplar el dolor que no sentimos.
Prometeo de François Dumont de 1710. El desobediente de cuerpo hermoso está encadenado a un peñasco, trata de alejar al águila enorme que le desgarrara el hígado, no sabe como espantar a esa bestia hambrienta de su sangre. Ser devorado por un águila es un castigo cruel, el verdugo huye con las vísceras y vuelve, siempre regresa a las entrañas que crecen para alimentarlo.
El dios Saturno sabe que el placer no es matar, es devorar, hacer un solo cuerpo con la victima y llevarla dentro. De Simon Hurtrelle, Saturno devorando a su hijo, al contrario de Goya que lo sostiene como a un animal, este es un padre que abraza a su hijo y con espanto vemos como muerde el pie del niño que no puede defenderse. Saturno camina para esconderse, no quiere que descubramos lo que está haciendo, furtivamente se dirige con paso largo lejos de nuestra vista, mientras los llantos del niño nos guían hacia ellos.

En un pedestal, por fin en el centro para que la veamos de espaldas, El Invierno de Jean-Antonie Houdon de 1787. Cuando la presentó en el Salón de Paris los jueces puritanos la enviaron a un rincón para que nadie la viera por detrás, indignado Hudon retiró su escultura. El motivo es evidente, una joven de pie, el rostro, pecho y torso están cubiertos por una manta, solo vemos su culo y sus piernas desnudas. El culo es perfecto, bellísimo. Una invitación al sexo anal, es imposible resistirse a tocarla, acariciar el bronce pulido de sus nalgas. Ella elevada, nosotros en la tierra, con levantar la mano podemos sentirla. Soñar un culo es anuncio de fama, las imágenes son el lenguaje del que adivina.

En esta sala hay varios dibujantes copiando en sus cuadernos estas magnificas esculturas, es la única sala donde hay tantos artistas trabajando en vivo, espío sus trabajos y es evidente como la belleza sigue seduciendo a los que creen que el talento creador es para explotarlo, entregarlo y morir por él.

Bronces franceses del Renacimiento a la Revolución.
Metropolitan Museum of Art, de Nueva York.
Del 24 de febrero, hasta el 25 de mayo.
Publicado en Laberinto de Milenio Diário el 23 de mayo del 2009.

sábado, 9 de mayo de 2009

SHOPPING IN ZONA MACO


-I need 10 or 15 skirts from Calvin Klein.
–What kind of skirts?
–Please, bore someone else with your questions…
Devil Wears Prada.
Ir de shopping a MACO ofrece dos opciones: comprar cosas que no valen nada por mucho dinero o invertir en arte aunque no te digan “el nuevo mecenas”. Lo primero da status de rico, porque el mayor alarde de riqueza es pagar una fortuna por un capricho sin valor y lo otro denota el “talento de saber” que no predomina en México. En la anterior Art Basel destacó el arte de inversión, se vendió mucha pintura y artistas sólidos, por acá todavía están de moda las compras tipo new money. Así MACO a ratos parece la feria del regalo, la mayoría de las galerías venden decoración, no arte, hay un enorme esfuerzo por complacer al consumidor o al coleccionista. Todos los precios de MACO son en dólares, eso ayuda a comparar lo que vale y lo que es parte del show business.
Recortes de etiquetas de Coca-Cola que dicen Coca-CoLaLa de Closki, te los puedes llevar por $2,000.00 dlls, o del mismo autor unos cohetes hechos con el New York Review of Books $5,000.00 dlls. De Raúl Cordero 5 fotos fuera de foco de cuartos de hotel $9,000.00 dlls porque “son la narración de un viaje”.
4 sillas de oficina que giran por 14 horas con un motor de Ariel Orozco, $12,000.00 dlls. El lugar común son las cajas de cartón, el material de rigueur de los contemporáneos, en la galería Enrique Guerrero una instalación de 7 cajas de cartón agujeradas y encimadas $10,000.00 dlls de Ricardo Rendón. Alejandro Díaz pintó frases en cajas de cartón y la obra se llama Hand painted boxes, $99.99 dlls cada una. Olga Adelantado te envía un vidrio a casa, sin protección y las roturas que el vidrio sufra es la “obra”, $5,000.00 dlls. Gavin Turk, Piss Painting, igual como hizo Warhol hace años con grandes dosis de vitamina B y Basquiat cooperando, $29,000.00 dlls, su olor confirma la autenticidad. Decenas de letreros de neón para los que les gusta la decoración tipo antro, como en la OMR, el letrero de neón LOVE de Aldo Chaparro, $9,000.00 dlls. Gabriel de la Mora, un vinyl negro enmarcado $16,000.00 dlls. Para los futboleros, de Felipe Barbosa, una pelota de fut bol armada con trozos de otras pelotas $4,000.00 dlls. Una tela con dos cierres de plástico enmarcada de Rubén Méndez $5,000.00 dlls. Perfomance y mural de Julieta Aranda, te pinta un grafiti que dice No you can’t por $3,000.00 dlls. De Betsabé Romero, la Pineda Covalín del arte contemporáneo, un coche de juguete forrado de hojitas $3,000.00 dlls o una de sus llantas, $9,000.00 dlls. Instalación de una panadería portátil de Eduardo Navarro, $9,000.00 dlls. Una pegatina de Marcly.org que intervino el espacio pegada en el extintor, es gratis. Seis tablas con clip para poner papeles, con dos bancos de madera y dos globitos desinflados de Nicolás Paris $5,000.00 dlls o un lápiz de color verde con su repicita, Jardín portátil, $400.00 dlls. Desde Noruega y Dinamarca una litera invertida, $104,000.00 dlls de Elmgreen & Dragset. Trozos de gamuza cortados con forma de manos de Jonathan Monk $9,000.00 dlls. Seis o más planchas encimadas de Miguel Monroy $2,000.00 dlls. En la división basura: series de foquitos de navidad enredadas y sin foquitos de Sofía Táboas $5,000.00 dlls. Papel plateado para regalo pegado a unos palos de madera de Gabriel Kuri, $50,000 dlls. Un viejo Cutlass blanco con los asientos envueltos en celofán, aluminio y cartón de Thomas Hirschhorn, $120,000.00 dlls.
Para los que no son fashion victims y no gastan a la nouveau riche, hay buena pintura: de la Galería Toca, Hombre meditando, óleo sobre lino de Javier Peláez, $15,000.00 dlls, excelente. Jean Carlo Scaglia Tríptico $7,000.00 dlls. Max Gomes Canle, óleos de pequeño formato, $2,000.00 dlls. Galerie Barbara Thumm, 48 tintas recreando portadas de Signal y de Freies Deutschland de Fernando Bryce, $84,000.00 dlls.
La peor crisis es la falta de talento, pero para comprar. La excentricidad ya no es gastar miles de dólares en una ridiculez que exhibe la nula visión artística, lo verdaderamente novedoso y rompedor es encontrar en esta mega tienda de regalos a esos artistas que sí se volverán una buena inversión.
Publicado en Laberinto de Milenio Diario el sábado 9 de mayo, 2009.
Zona Maco Arte Contemporáneo, abril 2009. Centro Banamex.