domingo, 8 de abril de 2018

SANTO PERFORMANCE

Pasiòn en Iztapalapa, fotografìa de Javier Ríos

Pasiòn en Iztapalapa, fotografìa de Javier Rìos 
 El mesianismo lanza predicciones y acusaciones, posee la superioridad salvadora, enemigo del pragmatismo se envicia en el dogma que profetiza en cada sermón.  Nos ama, lo que diga y haga es por nosotros, es un amor que condena, esclaviza y humilla, seguirlo nos purifica. 
El arte VIP predica desde su delirio de grandeza que todas sus obras tienen una buena intención en la que debemos reflexionar, ellos son salvadores y arregladores del mundo, encarnados en líderes espirituales, tienen pulpitos, templos llamados museos, seguidores y miles de evangelizadores que propagan su dogma en universidades, congresos, revistas y ferias de arte. El performance ha llevado esta obsesión al cuerpo y sangre de los artistas VIP, el castigo, el dolor, la degradación a la que se someten redime al arte, a los infieles espectadores y a la sociedad, sus actos sadomasoquistas y crueles predican la verdad en una reflexión que nos va a guiar en este valle de perdición. 
Marina Abramovic, performance 
Marina Abramovic, Hermann Nitsch, los Accionistas vieneses, y una legión de pastores y pastoras VIP se han crucificado en actos artístico-proselitistas, la histeria del auto castigo conmueve a los críticos de arte, los historiadores y coleccionistas, que pagan sus pecados patrocinando esos sacrificios. 
La secta del arte VIP que se extiende en galerías de lujo exige para su labor becas y diezmos, pide lealtad absoluta, cuestionarlos nos lanzará a un infierno sin premios internacionales. Los enemigos de la fe crecen, legiones de incrédulos desilusionados  por las exposiciones y los sermones curatoriales demandan hechos no parábolas. Ante tal emergencia religiosa convocamos a los artistas VIP a que en la próxima Semana Santa tomen un curso intensivo en Iztapalapa y aprendan con disciplina real a personificar el verbo de sus curadores. Paladines de la verdad sometan sus carnes y sus teorías al ayuno, a la reclusión, pónganse el vestuario, bajo el sol inclemente carguen la cruz de madera de una tonelada, los aten en ella y con ese dolor en el cuerpo, reciten las teorías de Benjamin, Danto, Buys, y revelen al mundo que todos son artistas. 
Hermann Nitsch, performance 
Los propedéuticos en Iztapalapa son más intensos y exigentes que los de la escuela VIP de Marina Abramovic, los creyentes se someten al celibato, lecturas espirituales, encierros, pasan por votaciones populares, nada qué ver con el postureo de los performanceros que empujan un bloque de hielo o se desvisten con el aplauso de la crítica. Participen en la procesión en medio de miles de personas, del griterío, la contaminación, es una prueba ya no digamos física, se necesita estar entregado a una fe para soportar esa tortura, y en cambio ¿qué hacen nuestras luminarias del performance? Ponen postits en una pared, se orinan, se disfrazan, niñerías que se supone es el “arte de nuestro tiempo”. 
En Iztapalapa hacen performance, no actos VIP en la limpieza del cubo blanco, con la protección de patrocinadores, consentidos por las instituciones y las galerías. Los becarios del FONCA sométanlos a ese rigor, en lugar de sus retiros de alcohol y mariguana en hoteles de lujo con sus “asesores” envíenlos un mes a recibir los latigazos y cocteles de vinagre, si de rigor artístico se trata, tienen mucho que aprender en Iztapalapa y va costarle menos al erario. 
Hermann Nitsch, performance 

sábado, 24 de marzo de 2018

HISTÉRICA OPULENCIA

Clotilde en traje de noche, Jjoaquìn Sorolla
Los chismosos son más fiables que los historiadores, dicen que en el reinado de Luis XIV los adictos al estilo secuestraban a los modistos, los retenían en exclusividad para deslumbrar con un traje que nadie más pudiera tener, la envidiosa violencia de esa obsesión provocó espionaje, crímenes y la creación de una industria. En los fashionistas las marcas son más que un nombre, son un tipo de sangre mutante en cada temporada, detrás de ese efímero escudo de armas pueden asesinar al anonimato y trascender por unos instantes.
En el Museo Thyssen Bornemisza de Madrid, exponen Sorolla y la Moda,  con pinturas, fotografías y las prendas que usaron las modelos en los retratos del pintor. Los zapatos, vestidos, joyas, muebles, la ficción de una escenografía, el teatro de la inmortalidad en la frivolidad de la apariencia. Es el arte inventando a las personas, a seres inexistentes que se retienen en el ideal que deberá ser recordado. La belleza de esa mentira se delata al comparar el vestuario con el retrato, la diferencia es que la ficción es más potente que la realidad, que la naturalidad asesina al mito. Sorolla sabía que nos cansamos de las personas y que si nos heredan un retrato que disfrutemos contemplar durante años, en el que no veamos a “alguien”, entonces el desprecio o el fastidio que sentíamos se trasformará en elogios. 
Joaquin Sorolla Retrato del Rey Don Alfonso XIII con el Uniforme de Husares
 El retrato del rey Alfonso XIII es magnífico, delgado como el sable, posa con el uniforme de gala de Húsares, la coraza de un héroe para el débil cuerpo del pornógrafo, es una estatua de brocado y seda. La fotografía de la sesión de trabajo en el jardín, con Sorolla pintando al rey bajo la sombra de un árbol, es un testimonio de la dictadura de la forma sobre la vida; después de que la Historia habla y la sociedad olvida el dueño del destino de esa persona es el pintor, él decide cómo será recordado, qué momento de su existencia debe continuar para la eternidad. 
LA SEÑORITA BARRIOS JUGANDO CON SU GATO

El elegante gato lleva un moño rojo y destroza los encajes, la niña lo provoca, el pintor captura al juego, el vestido blanco es un capricho transparente, la vida seguirá y la infancia quedará despedazada como ese encaje, La Señorita Barrios con su gato, melancólica recuerda sus últimos juegos, aprenderá que un vestido tiene consecuencias. El voyerismo de Sorolla es fetichismo del estilo, los zapatos, las cinturas fajadas esperando ser liberadas, dibuja las piernas ocultas por las faldas, prolonga los escotes, conquista la humedad de la piel, el palpitar del cuello, posee a sus modelos, las tiene para él en una observación que cotidiana sería obscena. Los maridos no ven a sus esposas, Sorolla las desviste, sabe qué llevan debajo del vestido, cómo es el corset, a qué huelen sus medias, de qué tamaño tienen los pies, cómo se sientan y apoyan el brazo, se polvean el pecho, el pintor reinventa a una mujer para que su marido la vuelva a desear, y si no es así, será otro, la pintura está ahí para despertar una pasión. 
En estos tiempos del puritanismo de “lo políticamente correcto”, la obra de Sorolla resulta una audacia seductora, la oportunidad de ver que la elegancia y la presencia femenina no tiene que estar disminuida por un statement político-feminista, y participar del hedonismo de la vida. Vestidos de negro intenso o blancos enceguecedores, cinturas mínimas, encajes y gasas, aunque vivamos y suframos como miserables, perduremos como diosas, eso es un retrato. Sorolla conocía las leyes implacables del estilo, observaba las telas y los reflejos de la luz, estudiaba las texturas, detallaba las joyas, llevaba los materiales al límite de la fantasía, y se detenía un instante antes para que lo imposible fuera verosímil. Los colores del mar, la paciencia de las olas, se prolongaban en los volantes de los vestidos y el viento tensaba los parasoles, el tiempo es del arte.  

sábado, 10 de marzo de 2018

ENTREVISTA AVELINA LÈSPER

Entrevista realizada por Estempore Agencia Creativa, por Antonio Mìnguez , Jefe de Prensa, en el Museo de América.  Semana de Arte Contemporáneo.
Madrid, España 2018

TRABAJO DURO EN ARCO 2018

Helga del Alvear en su galerìa en el momento de la "censura"
 Las ferias de arte invitan al postureo, son una pasarela de los que aspiran a ser vistos y admirados como si fueran un mingitorio al revés y cotizados como una vaca en formol. En Arco, la feria de arte contemporáneo de Madrid, los influencers posan con vestuario patrocinado, aquí todo is about money, los que busquen arte que vayan al Museo del Prado. En el egoísmo insensible, una galerista apagó una obra de focos de Jenny Holzer que servía para el posado de un tipo con saco de terciopelo morado, el próximo paso del arte VIP será cobrar los selfies. La frivolidad de los visitantes no apreciaba el sacrificio de los artistas VIP para lograr estas obras maestras. Los galeristas se desvivían en explicar que sus artistas trabajan muy duro, en una galería austriaca estaba una bicicleta rota, el galerista describía con torturado énfasis que en cada exposición la obra era diferente, y el artista Manfred Pernice trabajaba muy duro en cómo lograr ese cambio, en esta ocasión la resignificó agregando un zapato y una bolsa de plástico, ese portento de la inteligencia costaba 51 mil euros. 
 En otra galería el artista Rodrigo Oliveira trabajó muy duro enmarcando cientos de etiquetas, su ardua tarea se vendía en 25 mil euros. El Capital de Marx o las novelas de Dickens no podrían describir las penurias y la explotación por las que pasan los artistas VIP. Reciclar es uno de los recursos más intelectuales, Dan Graham trabajó muy duro en una instalación nostálgica con videos musicales de los años 80, es la decoración ideal para el bar del coleccionista por sólo 500 mil euros. Los coleccionistas ya pueden comprar algo puesto en un lienzo gracias a que Secundino Hernández trabajó muy duro en rasgar la superficie plástica del lienzo y dejar los agujeros, cada pieza se vende como “pintura” en 70 mil euros. El proceso es más importante que el resultado final, para el arte VIP el trabajo duro que hay detrás de sus obras le otorga significado a las elementalidades más exhibicionistas, en un video el performance del artista Pere Noguera mordiendo platos que se suponían de cerámica, en una indiscreción la galería reveló que en el video son platos de chocolate, el testimonio de su falso masoquismo tiene el precio de 20 mil euros el video y 4 mil euros cada plato. Reunir unos pedazos de madera, tela y una piedra es un trabajo muy duro de Ángel Bados, convertido en “instalación minimalista” cuesta 10 mil euros. 
William Mackrell obra y performance
Imprimir letreros en cartones de colores con frases “poéticas”  es la única obra que Allen Ruppersberg ha realizado en su vida y que fotocopia para cada feria y exposición, la galerista dice que es muy inspirado, y su talento vale 36 mil euros 5 piezas. La resignificación del retrato es un trabajo duro que Christian Fogarolli realizó con muñecos de trapo, el coleccionista tiene que trabajar duro en imaginar que ese muñeco se parece al retratado y pagar 1,500 euros por cada uno o 5,500 por cinco muñecos. William Mackrell mando hacer una cama metálica con luces fluorescentes desechadas por contaminantes, la nerviosa galerista explica que las consigue en los basureros de materiales dañinos, y sobre esto puso a una performancera a balbucear como reacción a las vibraciones de la luz.  El esfuerzo que merece ser llamado arte, es vender esto en 9 mil euros y entregar únicamente las luces y la cama, acompañadas de un certificado, el comprador tiene que conseguir a la modelo, vestirla de blanco y darle las instrucciones de cómo realizar el performance. 
William Mackrell
 La controversia artificial es el efecto publicitario más productivo del arte VIP, fotografías de rostros pixeleados, robadas de los periódicos, con un texto explicando que son “presos políticos”, obra de Santiago Sierra, fueron retiradas de la galería, desatando la reacción correcta: se vendió por 80 mil euros. La atmósfera delirante de la protesta de los “intelectuales” por la “censura” de las mismas imágenes que aparecen todos los días en los periódicos, que pixeleadas y enmarcadas se convertían en arte por milagro de la retórica académica y el precio, una obra de “protesta” diluida y encubierta, que gracias al escándalo encumbró en el pedestal del famoseo a un artista que ni con su efectismo gratuito había conseguido llamar la atención. Las ferias de arte son una experiencia interactiva con múltiples significados que se consolidan cuando el comprador saca la tarjeta black y paga por estas cosas. Es agotador ver la dedicación  de los artistas VIP, hay performances, recortes de papel, letreros, luces de neón, bañeras sin agua, un homenaje a la esclavitud y el sufrimiento. Los espectadores y los coleccionistas tienen que trabajar muy duro en someter a su intelecto, humillar su sensibilidad y aceptar esto como arte. 
Santiago Sierra frente a su obra "censurada"



Instalación de Dan Graham


Rodrigo Oliveira y su instalaciòn 

Pintura de  Secundino Hernández 


Obra de Ángel Bados

Muñecos o retratos de Christian Fogarolli 

Christian Fogarolli  


Pere Noguera mordiendo platos de chocolate 



Arco 2018 zona VIP

Arco 2018 zona Vip 

Instalaciòn de  Manfred Pernice 

Instalaciòn de  Manfred Pernice 

Allen Ruppersberg 



viernes, 9 de marzo de 2018

CONFERENCIA MAGISTRAL: EL sentido poético del arte, por Avelina Lésper


Evento: Feria Internacional de la Lectura Yucatán (FILEY)
Fecha: sábado 17 de marzo
Hora: 7:00 pm
Lugar: sala Mayamax del Gran Museo del mundo Maya, Mérida Yucatán

Para futuras presentaciones en Mérida, favor de asistir a la conferencia y ahí coordinaremos los encuentros, gracias. 

FANTASÍA Y ÉXTASIS

El entierro del Conde de Orgaz, El Greco. 
 La existencia carece de testigos, la vivimos desde nuestra experiencia que es parcial y distorsionada por nuestras emociones y frustraciones, la obra del Greco se muestra como una crónica de lo no escrito, de lo no visto, de lo que él eligió representar, lejos de los alcances del resto. La Ciudad de Toledo es un museo de sitio que se confunde entre un parque temático para turismo masivo, y el refugio del excepcional acervo de la obra de Greco.  La muralla obliga a un claustro que aísla, desde lo alto de la colina es un observatorio de ese exterior del que se separa el alma y dentro, entre sus paredes, en los muros donde cuelga la obra del Greco, ahí está lo más oscuro, lo que la luz de la razón ilumina. 
 El Entierro del Conde de Orgaz en la representación de la leyenda de un milagro manifiesta las miradas de la existencia. Las directrices teológicas que el pintor haya seguido en la representación se trasforman en un significado filosófico. Iniciando está el cuerpo en la efímera condición mortal y carnal, ese cadáver que va a ser enterrado, capta la atención de los hombres, miran ese pedazo del pasado en una pesadumbre o compasión ignorante, ya no hay nada en él, entonces no hay qué lamentar. Mientras miran absortos el portento sucede sobre de ellos, así como en la vida, las necedades nos distraen de lo trascendenta: con los movimientos del color y los trazos que hicieron de la obra del Greco una excepción en el arte, el espíritu se levanta con el vuelo de un ángel, sin peso, la luz es transportada por un ser etéreo, en una osadía estética, el Greco le da “forma” al alma como un objeto transparente alargado, y entendemos que los cuerpos en toda su obra están supeditados a esa masa volátil, no a un esqueleto. De ese prodigio, sólo se percata un religioso, el resto sigue distraído en la mortalidad del instante. En la disposición de ver está el milagro. El cielo, ese estadío al que solo se accede sin el lastre del cuerpo, es una reunión de seres metafísicos trasparentes, lo preside la Virgen acompañada del Cristo luminoso, y aunque poseen características físicas, no poseen carnalidad, ni densidad, son ideas, son palabras, dogmas, rezos, los atrae la fe en mirar. 

La luz del Greco en el color y los reflejos es la luz del espíritu. La pintura sacra realizó una de las búsquedas más complejas del arte: pintar la invisibilidad del espíritu, darle una forma comprensible que alimente la necesidad de creer en algo no humano que nos acerca a lo divino y nos consuela de ser mortales. La composición con líneas que se elevan, se diluyen podría separarse de lo terreno, está “despojada” de humanidad, el contraste con el cadáver es que mientras lo que resta de la carne es corrupto, lo que vive sin ella es puro, es ligero, y se deposita en las alturas ingrávidas. El testimonio lo llevan los que están en posesión de la fe y el niño, que en un primer plano y casi al margen de la acción, superpuesto en la composición y dando el efecto de un observador posterior, señala la escena y nos mira, es el presente, el momento en que el espectador contempla y el testigo señala.  Las fases del tiempo se muestran, el pasado en el entierro del cadáver, y la eternidad en la representación del mito y sus dogmas. Somos eso, el cuerpo que cada día muere, y se entierra en sus males y necedades, enajenados en lo que ya no poseemos, dejando pasar eso que trascenderá nuestro dolor. La meditación, la oración son el silencio de la verbalidad, lo que se repite es para el interior, no para mantener un diálogo infructuoso con el exterior. La pintura sacra es meditación en imágenes, la contemplación cita al espíritu en otra visión, que es personal, profunda, que no responde a la gratificación de los sentidos.

lunes, 26 de febrero de 2018

CONFERENCIAS AVELINA LÉSPER



Evento: "Semana de Humanidades del Tec de Monterrey" 
Presentación del libro de Arturo Rivera
Fecha: miércoles 28 de febrero
Hora: 4:00 pm
Lugar: Tec. De Monterrey, Campus Ciudad de México, Edificio "CIE" Salón/Auditorio 1401 (calle del Puente 222 Col. Ejidos de Huipulco Tlalpan) ENTRADA LIBRE

Evento: 7º ciclo de “Crítica y Pensamiento en México” / Mesa 4: ¿Postmodernidad? Reflexiones para definir y nombrar el arte de nuestro tiempo

Fecha: sábado 3 de marzo
Hora: 1:00 pm
Lugar: Museo de la Ciudad de México  
ENTRADA LIBRE 

Evento: XXXIX Feria Internacional del Libro del Palacio de Minería 
Presentación del libro de Arturo Rivera
Fecha: Domingo 4 de marzo
Hora: 7:00 pm
Lugar: Palacio de Minería, Auditorio Bernardo Quintana



Evento: Feria Internacional de la Lectura Yucatán (FILEY)
Fecha: sábado 17 de marzo
Hora: 7:00 pm
Lugar: sala Mayamax del Gran Museo del mundo Maya, Mérida Yucatán
CONFERENCIA; El Estado poético del arte. 

HYLAS Y LAS NINFAS CENSURADOS

Hylas y las ninfas, John Williams Waterhouse

Las feministas puritanas e ignorancia pretenden ser las dueñas del cuerpo femenino a nivel físico, simbólico y social, han llegado tan lejos como las religiones y culturas absolutistas que niegan los derechos humanos de las mujeres. La “cosificación del cuerpo de la mujer” se manipula, hacen de ese cuerpo un “objeto de activismo” y le niegan posibilidades eróticas y lúdicas, para el feminismo, como para los religiones monoteístas, la mujer es un ser insensible que es obligado a entregarse o participar del placer. El mito de Hylas y las Ninfas es una lección sublime: el joven Hylas, valiente y hermoso es hijo del rey  Tiodamante asesinado por Hércules. Deslumbrado por la belleza del joven, Hércules lo adopta para convertirlo en un guerrero. Hércules, admirado por su valor y fuerza en las batallas se enamoró perdidamente de Hylas. Al iniciarse la expedición a Cólquida, Hércules se llevó al hermoso joven, que excitado por el peligro se fue a buscar la gloria. En las costas de Tidade enviaron a Hylas a buscar agua pura, llegó a un estanque transparente, y el mirase en las aguas, la Ninfas brotaron cantando y seduciendo. Sus cuerpos atrajeron a Hylas derrumbando su valor y su fuerza ante la sensualidad, se sumergió en el estanque con los brazos de las Ninfas acariciándole. No volvió a salir. Hércules aulló desesperado, se vengó asesinando a los misios culpándolos del rapto, el joven Hylas nunca regresó del eterno orgasmo de las Ninfas.
El mito inspiró una de las pinturas más bellas del movimiento Prerrafaelista, del pintor inglés  John William Waterhouse, realizada en 1896, hace 122 años, hoy ha sido retirada de la Manchester Art Gallery en un acto de censura disfrazado de performance para “pensar en la cosificación del cuerpo femenino” a cargo de una curadora y una artista feministas. En lugar de la obra maestra, en el ominoso espacio vacío, el público va a colocar postits opinando sobre el tema, para las feministas VIP provoca más reflexión un postit que una hermosa pintura. La ignorancia y la violencia de esta censura son escandalosas, en el mito el seducido es Hylas, el poder de decisión sobre el cuerpo y la sensualidad es de las mujeres, Hylas es pasivo, el dolor de la pérdida es de los hombres, Hylas y Hércules.
Lo que molesta al feminismo es el punto de vista masculino, su enemigo son las relaciones entre dos sexos. ¿Por qué una mujer no puede seducir y se dueña de su cuerpo para entregarlo? ¿Por qué toda relación se debe ver como abuso hombre-mujer? Esa obsesión con reducir relaciones sensuales y sexuales en víctima y verdugo, es maniqueísmo que deja a la mujer en una vulnerabilidad irresponsable. El arte y la belleza tienen derecho al erotismo y la poesía, lo que vemos es la violencia iconoclasta que castiga y prohíbe a las imágenes. La consecuencia es sustituir a la pintura por algo sin belleza, sin aportación poética, con la flagrante mediocridad de las autoras, una vez más estamos ante la persecución del verdadero arte por los dogmas de una ideología.   

martes, 13 de febrero de 2018

LA LIBERTAD DEL EDITOR

Felix Nussbaum Skeleton Playing the Clarinet 1944 Pencil and gouache on brown paper
La Historia ha progresado a espaldas y por encima de los individuos, nos dice Marcuse y para Sade la corrupción y la disolución moral del pueblo son muy útiles porque permitían mantener en movimiento la maquinaria perpetuamente inmoral del Estado. En la negación de Gallimard para publicar los escritos nazis de Céline está el argumento más valiente que puede esgrimir un editor: su libertad de publicar. La libertad de expresión casi siempre se refiere al que quiere opinar, no al editor responsable de publicar esas opiniones, entonces la libertad de un editor radica justamente en la capacidad de elección que define su posición personal y profesional. El argumento de que se deben publicar textos indignos porque los lectores tienen derecho a conocerlos, que ellos deben analizarlos y emitir un juicio, es relativista e irresponsable, le permite al editor “pasar a espaldas y por encima de los individuos”. Los textos que escribió Céline para demostrar su afiliación al nazismo no son “poemas” como han insistido en llamarlos, son una serie de insultos dedicados a complacer a un régimen asesino, en una de las acciones más serviles de la memoria de la literatura. La decisión de Céline de unirse a la corrupción del nazismo, fue, como dice Sade, su aportación para perpetuarlo ¿Que puede haber en esos textos que merezcan otra vez el derecho a ser publicados? La complicidad disimulada, en la publicación de estos textos está la clara intención de darles vigencia, la letra impresa es propagadora, en este caso de una ideología genocida, el lector hace su análisis desde la aprobación del editor al otorgar un espacio a esos escritos, entonces, el supuesto análisis es improbable, y lo que sí es una certeza es que esos textos vuelven a insultar, dan movimiento a los engranajes corruptos del racismo que ha renacido.
El revisionismo histórico hace énfasis en las “bondades o virtudes” de los verdugos para humanizar su posición, dicen que amaban a sus hijos o que eran “trabajadores disciplinados”, para el revisionismo ser partícipes de un genocidio fue un “error humano”, los escritos de Heidegger recientemente publicados manifiestan su comunión con el nazismo, confirman sus cobardes acciones, persiguiendo estudiantes y académicos, censurando sus escritos y expulsándolos de la universidad ¿un filósofo en completo conocimiento de la ética tiene justificación para cometer esos crímenes? No la tiene, y es el caso de Céline, es un escritor que no debería ser revisado en sus escritos que se rindieron al sistema nazi.

No hay valor en unirse a ese sistema, el valor está en volver a rechazarlo, eso lo describió muy bien Thomas Mann en Doctor Faustus, cómo la ideología determinó las relaciones filiales y estar en contra del nazismo era el crimen más grave que podía cometer un alemán. Gallimard ees un editor en ejercicio de su libertad y ha demostrado que la censura es una coartada conveniente cuando no se quiere tomar una posición ante el sello editorial y los lectores, que disimula la ética personal en un alarde de libertad que no existe, el debate suscitado se ubica en el maniqueísmo que estigmatiza esta decisión editorial como un acto represor. Estos textos hoy y siempre incitarán y justificarán el genocidio es por eso que aún existen en internet, y eso no implica que deban aceptarlos todos los editores, al contrario, en este momento de indiscriminada publicación, de abuso en el espacio de divulgación, es cuando la “libertad del editor” es indispensable. 

domingo, 4 de febrero de 2018

EXPOSICIÓN CURADA POR AVELINA LÈSPER EN MADRID, ESPAÑA

100 periódicos intervenidos por 100 pintoras y pintores que integran la Colección Milenio Arte, dirigida por Avelina Lésper, una serie que manifiesta la capacidad de improvisación y creación sobre un material efímero. 

Museo de América, Avenida de los Reyes Católicos 6, Madrid, 28040. Inauguración  15 de febrero del 2018 a las 13 horas, con la presencia de la curadora. Entrada libre. 

LEER POESÌA

El lenguaje distorsionado, las voces sordas, el griterío fragmentado, la zafiedad posteada, el linchamiento cobarde, las palabras laceradas, el significado perdido. Es tiempo de leer poesía. La rebeldía a la masa es la comunión con el silencio, la rebeldía a la ignominia es la reunión con la frase lenta, sentida, meditada. Es tiempo de leer poesía. Dejar de responder para escuchar, esperar a que las palabras reposen y adquieran su ritmo, su musicalidad. El tiempo no se lleva las palabras, al contrario, las arraiga, una vez sembradas se repiten y nos representamos a nosotros mismos con frases vacías, frívolas, hirientes, de sonidos torpes, usamos un lenguaje que se degenera.
Las palabras aman y desprecian, las palabras somos nosotros, depositadas en la psique, en el alma, en la costumbre, las sacamos en el parloteo incesante de la cotidianeidad, creemos que la mente olvida y no es así, aprendemos de lo indecible y lo repetimos. Leer poesía nos regresa a la fe en el lenguaje, a su cauda de significado, a su estancia con lo que somos. Dar forma a las imágenes de esas emociones que no alcanzamos a entender, recrearlas en un poema y verlas, explicarlas, vivirlas. Dar la espalda a la inmediatez de las respuestas, de las exigencias mediáticas y esperar a que la poseía nos habite, sea el plano de lo real que ya no vemos, que desaparece entre la obscenidad de las redes, del mentiroso reactivo “nuestro tiempo”. La poesía es el tiempo, la metáfora, la realización de un espacio en palabras que podrían describir otro espacio, el escándalo de ser la misma frase que escribió el poeta hace cien o mil años, y no ser la frase que alguien vomitó hace unos segundos.
 La palabra es mucho más, es un arma describe lo más profundo y doloroso, que nos significa y da vida, la voz humana es una cadena de experiencias, y cada frase se une a los eslabones de nuestra biografía. La sociedad vociferante viola a las palabras, ensucian el compromiso que tenemos con el lenguaje, con ese imborrable espejo de nuestra existencia. Lo que hemos dicho y lo que hemos callado se queda en nuestro rostro, leer poesía, respirar en esas líneas que fueron guiadas por emociones y horas, nos habita la mirada y el silencio. La realidad que se ve desde la poesía no puede verse desde la grosera voz que lanzan las redes agazapadas en el grito cobarde. Es tiempo de leer poesía, de darle a la vida la construcción lenta y dolorosa de la fe, de le entrega, del camino que va en sentido opuesto a la frenética respuesta de la masa.

La poesía no avanza, se detiene, las frases milenarias permanecen, la modernidad, la actualidad, no es de la poesía. Hemos llorador y ansiado lo mismo desde que recibimos el inexplicable y prodigioso designio de estar aquí, cada día, cada milenio sentimos lo mismo. El poema lo sabe, lo dice y lo conserva. Dejemos que la actualidad agonice ahorcada por el hambre de zafiedad de la masa, descansemos en la poesía, mientras las metáforas siguen su eterna voz, la masa ensordecida se asesina a cada instante. Es tiempo de leer poesía. 

lunes, 29 de enero de 2018

ALIENACIÒN ARTÌSTICA

 El museo contemporáneo es el refugio sectario para exhibiciones de banalidades politizadas, el proselitismo y las profecías oportunistas. El MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, recinto  supuestamente autónomo, es utilizado como tribuna del fanatismo ideológico al que se someten los artistas VIP. La exposición del colectivo Chto Delat, nos dicen que “propaga modelos de auto-educación activista que reconectan la acción política, el pensamiento comprometido y la innovación artística”,  es un himno a la alienación descarada sin valor estético. El arte contemporáneo VIP tiene entre sus fundamentos el ataque al Movimiento Muralista por sus implicaciones sociales y ahora empapelan las paredes de los museos con recortes de periódicos, fotografías fuera de foco, artesanía revolucionaria, una muestra que no ofrece una sola manifestación de “innovación artística” porque desde hace décadas hacer videos de mala calidad y montar performances con nivel de escuela secundaria ha sido disfraz de la manipulación ideológica. ¿Qué sigue después de esto, exposiciones para que los Testigos de Jehovah recluten prosélitos? Si los museos universitarios van a dedicarse abiertamente a divulgar propaganda tendrían que ser imparciales y abrir el espacio a los partidos políticos, las asociaciones religiosas, Provida y las sectas. Los artistas VIP, curadores y académicos engrosan la masa alienada y ese sojuzgamiento se denomina como “arte” para captar adeptos, es tan burdo que nada más les falta, como los partidos políticos en campaña, repartir gorras, regalos y folletos. 
 Las secciones de la exposición están acompañadas de cédulas al estilo de hojas parroquiales con discursos académico-panfletarios, las obras “zapatistas” son artesanía revolucionaria de factura comercial al nivel de suvenires para turistas de los que venden en los aeropuertos, evidentes imposturas intelectuales dedicadas a una asimilación ideológica carente de proyecto artístico. Las obras de David, el arte religioso, el Constructivismo ruso, permanecen como arte que superó a las ideas que esgrimieron. Las  manifestaciones de  esta exposición son inherentes a su función alienista, sin esto son menos que nada, basura demagógica que se desecha al finalizar la campaña política. Teorías conspiratorias, delirantes afirmaciones saturadas de lenguaje “sociológico”, maniqueísmo político, el colectivo y el museo adoctrinan al público para que vea este amateurismo exótico como “pensamiento comprometido”. 
El colectivo funciona igual que los grupos religiosos que se infiltran en zonas rurales para manipular a la población, el resultado de su expedición y diseminación ideológica es subsidiado y apoyado por la UNAM con una exposición que continúa su labor proselitista en la comunidad universitaria. El erario de los impuestos pagando exposiciones de colectivos de fanáticos politizados ¿Quiénes son los patrocinadores y los beneficiarios de esta complicidad ideológica? El poder siempre ha comprado artistas y escritores como voceros de su propaganda, son de fácil acceso, baratos y dispuestos, lo podemos ver en esta exposición, en la que el entreguismo y la enajenación es la “obra de arte” de la mediocridad tutelada por la ideología. 

sábado, 20 de enero de 2018

MUSEOS DE DINERO

Museo Louvre  en Abu Dhabi 
 La pintura fraudulentamente atribuida a Leonardo Da Vinci y subastada en 450 millones de dólares será donada por su comprador, un príncipe saudí,  al Museo Louvre de Abu Dhabi, con esta pieza ahora ya existe el museo y no porque sea una gran obra, no lo es, de hecho no es auténtica, es porque van a colgar 450 millones en la pared. Los nuevos museos se han convertido es un alarde económico, han abandonado su misión de generar y resguardar el conocimiento, concesionan su nombre o marca, son escaparates de la riqueza económica y la ostentación. La arquitectura estrambótica, como el de Louvre de Abu Dhabi, derrocha un lujo que no es lo primordial en un museo, que debe ser funcional y seguro. 
Museo Louvre  en Abu Dhabi 
 El precio de los museos es parte de la campaña, cada museo reciente posiciona a ese país como rico y poderoso, es el caso más que obvio de los museos en Dubai y Abu Dhabi que se presumen como si fueran hoteles de lujo o atracciones de Las Vegas. Los podrían rellenar con cajas de cerillos, que no dudo que un artista VIP lo haga un día, lo importante es que ese edificio inmenso y estrafalario sea un espacio para que algo costoso esté adentro y sea un símbolo de la capacidad adquisitiva. Los arquitectos lo saben y diseñan edificios que parecen naves espaciales o escenografías de películas de Spielberg, los supuestos concursos de construcción los gana la propuesta más delirante, con espacios muertos, materiales ultra costosos, mantenimiento difícil  y carísimo, acceso imposible, lo de menos es el público, están pensados para la fotografía en la revista de arte y en los periódicos, para declarar a nivel planetario que invirtieron una fortuna, para el lucimiento de patrocinadores y gobernantes en la fiesta de inauguración. El público va a estos museos a ver dinero colgado en las paredes, derrochado en la construcción, son parques temáticos del lujo, como los centros comerciales, son millas doradas inaccesibles y el público se comporta igual, hacen window shopping, ven obras por lo que costaron. El acervo de esos museos está pensado en base a su precio, las obras son las sumas que alcanzaron en subasta, esa es la temática, la misión y la vocación del estos museos, son bóvedas para exhibir inversiones rápidas, de adquisiciones en subastas mediáticas, ser el escaparate de la especulación del arte. 
Abu Dhabi Performing Arts Centre by Zaha Hadid.
Los primeros museos modernos provienen de la Revolución Francesa, se hicieron con el objetivo de formar un acervo social de esa riqueza individual, la de los reyes en ese caso, ahora esa misión ha perdido ese sentido porque la apreciación del arte está trastocada en valor económico, exponerlo al público no es una búsqueda social, es una campaña de publicidad. El mecenazgo está desvirtuado, los compradores son los nuevos apostadores en el casino de las subastas, no es una vocación dirigida a coleccionar cierto tipo de obras. Es el nuevo capitalismo, la dictadura del dinero, un poder supremo que carece de valores y de escrúpulos.  

lunes, 15 de enero de 2018

ARTISTA Y PRESIDENTE

 El racismo, la segregación, la violencia física y verbal, la abierta misoginia y la mentira sistemática son formas de arte. MAGA es una asociación de artistas VIP creada por el artista VIP suizo  Christoph Büchel, lanzaron la iniciativa online para denominar arte conceptual a los 8 prototipos arquitectónicos del muro que Trump quiere construir para proteger su frontera, estas piezas se encuentran en San Diego. Büchel dice que los americanos al elegir a Trump como presidente lo convirtieron en artista, permitieron que sus obsesiones adquirieran forma de un statement artístico, y que esos prototipos son una obra de arte colectiva. 
Es un genio, hay que reconocer la inteligencia preclara de Büchel, tiene toda la razón, por supuesto que Trump es un artista conceptual VIP, y que cada uno de sus twitters tiene el nivel creativo de miles de poetas VIP que escriben en esa plataforma. Es momento de decir al mundo que el nuevo Duchamp ha reencarnado en su líder pelirojo para salvar a los artistas VIP que se sienten acosados e incomprendidos. Nótese que la petición es por la denominación de arte, no de testimonio histórico, que es muy diferente, un testimonio es una lección critica, llamarlo arte implica una comunión ideológica. Los muros, para Büchel, son un readymade y una expresión de “Land art” al estilo de Donald Judd. El artista y presidente VIP opera exactamente como el arte VIP, sus “verdades y obras” son por decreto aunque los hechos sean completamente diferentes, no es necesario que “hagan” basta que cumplan con sus dogmas. Los dos esgrimen ideas racistas, violentas, atropellan los valores éticos y se justifican con buenas intenciones, cualquier crítica es censura, persecución y ataque a su libertad de expresión. Décadas clamando que hasta el asesinato puede ser una forma de arte, André Breton fue el primero,  y por fin llega un presiente respaldado por la gente que exige su derecho a linchar latinos y negros. Los artistas y su presidente VIP defienden que sus obras y actos son muy inteligentes y se demuestran como elementalidades  sobredimensionadas.
Siguiendo las ideas de los conceptuales VIP, los muros son arte participativo, que continuará en cada aportación de los ingenieros, políticos,  policías fronterizos, que serán designados como artistas. Les darán múltiples significados, nuevas lecturas según el curador que le asignen, y su “presencia crecerá en una fuerza colectiva”. Se invitará a que el público viva la experiencia y “se una a la participación compartiendo las ideas y propuestas afines” a los muros y la segregación integrando un análisis  “performativo”.  Admiran estos prototipos de muro porque así están amurallados y blindados sus museos para que no los traspasen los verdaderos artistas, su búsqueda artística está cimentada en la segregación, han establecido un racismo creativo idéntico al de su líder. Los artistas VIP están muy orgullosos de que un colega suyo haya alcanzado la cima, un propagandista de los principios VIP  que está transformando al mundo. La peligrosa zafiedad al poder.